2014 fue uno de los años más difíciles, sobre todo en la situación del país y el mundo, llena de conflictos políticos, económicos y sociales, siempre los ha habido, pero últimamente se han sentido y notado más, ya que cada vez es más fácil de obtener información en tiempo real gracias a las redes sociales. Sin embargo, también hubo muchos momentos grandiosos, aquellos detalles que nos hace sentir vivos. Y si hay algo que nunca nos falla, es la música.

Estamos en los primeros días del 2015 y después de una temporada fuerte y larga de trabajo como cada año –afortunadamente– y poca vida social, por segundo año consecutivo he realizado mi top 25 –si, nuevamente salieron 25– de los mejores álbumes del 2014, que nos trajo nuevos sonidos, esperados segundos álbumes, grandes debut, álbumes en colaboración y otros que nos tomaron por sorpresa, como es el caso del regreso de Richard D. James y su nuevo álbum Syro firmado como Aphex Twin, que anunció a través de una misteriosa dirección que solamente puede abrir el navegador Tor, el navegador que puede ocultar la dirección IP de tu computadora para navegar en la popular deep web. Un álbum que no logró impactarme por desgracia. Otros de los nuevos lanzamientos durante el año, fueron los de A Winged Victory For The Sullen, Alessandro Cortini, Andy Stott, Deru, Elektro Guzzi, Jimmy Tamborello de The Postal Service con su proyecto solista Dntel, Fennesz, Luke Abbott, Plaid, Pink Floyd, el EP debut del japonés Ueno Masaaki editado en Raster-Noton y el nuevo EP del mexicano Jung Sing de Maniquí Lazer, Lost Form que editó bajo el nombre de Shem. Sin olvidar los nuevos singles de Chvrches y Helen Marnie de Ladytron.

Durante el 2014 también pude asistir a varios conciertos de los que considero los mejores del año, entre ellos el de los pioneros de la música electrónica Kraftwerk, quienes presentaron por primera vez su show 3D durante 3 noches seguidas en El Plaza Condesa en marzo. Sin duda, el Concierto del Año y uno de los mejores de toda mi vida. Luego en septiembre, vi en vivo por segunda ocasión a los Deftones, esta vez en el Pepsi Center WTC, en donde fui nuevamente testigo de la furia y energía de su música. De lo mejor del año. Y en octubre, pude escuchar y ver de muy cerca a la banda islandesa de música electrónica GusGus –que quería ver desde hace años– dentro de una edición más de Boiler Room México, que ha sido la mejor hasta el momento. Y a finales del mismo mes y como cada año, asistí a una edición más del festival MUTEK.MX en su onceava edición, con una gran lista de artistas internacionales y nacionales en el Foto Museo Cuatro Caminos, esperando ya la 12va. edición del mejor festival de México. Esto me recuerda la supuesta llegada en 2014 del mejor festival de avanzada del mundo, el Sónar en su versión mexicana, que nunca llegó.

Bien podría haber hecho una lista más larga, pero quise compartir sólo aquellos álbumes que más escuché durante el 2014, aquellos que me causaron más sensaciones, sentimientos y placer, aquellos que llenos de diferentes contrastes, me recuerdan momentos y personas pasajeras que me marcaron como la música misma, convirtiéndose así, en mis álbumes favoritos del año y que seguiré escuchando en este 2015 y en la posterioridad.

Sin más, les comparto mi lista de los mejores álbumes del 2014:

25. Delphic
Get Familiar
Chimeric (UK)

Lanzamiento: Abril 22 / Junio 9

Después de su fallido segundo álbum Collections publicado en 2013, el trío de indie electrónica de Manchester nos sorprendió el 22 de abril con la publicación de un mixtape de 30 minutos de duración con 7 nuevos tracks que pusieron a disposición para escuchar en streaming y para su descarga gratuita por tiempo limitado a través de la plataforma SoundCloud. Este material en forma de mixtape fue presentado así para capturar la energía de sus presentaciones en vivo o bien, ponerla en alguna fiesta para ambientalizar con la música de Delphic. Si bien, este trabajo está lejos de superar a su extraordinario álbum debut Acolyte del 2010 y aunque por veces los coros suenan a los de una «boy band» modernos como en su segundo álbum, siguen conservando ese sonido electro pop futurista y post-dance ochentero-noventero con riffs de guitarras eléctricas. ¡Gracias Depeche Mode! Un sonido dedicado completamente a la pista de baile, sobre todo en el track instrumental «Colours of the Day» y excepto en el último track corto «What If» en donde una guitarra acústica acompaña la voz del bajista y vocalista James Cook. Posteriormente el 9 de junio, el trío publicó este mini álbum de forma digital con los 7 tracks unmixed que pueden sonar diferentes a las del mixtape. Ya sea que escuches este corto álbum con los temas mezclados o no mezclados, Get Familiar es un buen material por lo que logra entrar en mi lista de los mejores álbumes del año. Sin duda, de los que más escuché en 2013 desde su publicación en sus dos versiones. Mis favoritas: «Only Human», «Futureproof», «Colours of the Day» y «The Giver».

24. Reyno
Viaje por Lo Eterno
Universal (MX)

Lanzamiento: Marzo 25

De entre las cenizas del rock mexicano surge Reyno, una banda de indie rock formada por el guitarrista y vocalista Christian Jean –de The Abstract Ceremony– quien ha colaborado también con otras bandas mexicanas como LeBaron y Zoé, Sebastián Franco –bajista también de Bengala– y el baterista Pablo Cantú –de The Y’s–. Viaje por Lo Eterno, es un álbum lleno de simplicidad y sinceridad, tanto musicalmente como líricamente, sin elementos electrónicos, aunque si claras influencias del sonido anglosajón que tiene bandas como Zoé, quienes eligieron a Reyno para abrir sus conciertos de su actual gira Prográmaton en México. Es inevitable apreciar el talento de Christian en su voz melódica y en la guitarra y el de sus compañeros en el bajo y batería. Un álbum lleno de buenos arreglos, sutiles y enérgicas melodías envueltas por letras que hablan sobre los sentimientos, como el amor, el dolor, el miedo, la soledad y la alegría –a diferencia de aquellas grandes bandas mexicanas de antaño que hablaban en protesta, críticas al gobierno y de la cruda realidad del país. No todo debe ser así–. Canciones que pueden caer en lo cursi, pero no por ello ser algo malo, sino todo lo contrario. Recientemente, Sebastián anunció su salida de la banda, sin embargo ya cuentan con un nuevo integrante en el bajo mientras preparan su segundo álbum que llevará por título Dualidad y que publicarán en este 2015. Viaje por Lo Eterno es uno de esos pocos álbumes en donde vemos que el rock mexicano sigue dando señales de vida. Si te gusta Siddhartha –quien editó también en 2014 su nuevo álbum El Vuelo del Pez– y los ya mencionados LeBaron y Zoé, tienes que escuchar este excelente álbum debut de este trío mexicano. Mis favoritas: «Fugitivo», «Nunca Me Dejes», «Ahrimán», «Ay de Ti», «Me Voy» y «Parte del Sol».

23. 2:54
The Other I
Bella Union (UK)

Lanzamiento: Noviembre 10

Después de la publicación en 2012 del álbum debut homónimo de esta banda de rock alternativo liderada por las hermanas de origen irlandés Colette y Hannah Thurlow, quienes lanzaron en noviembre The Other I, su segundo álbum de estudio y el primero con el respaldo del sello Bella Union. El título del álbum, fue inspirado por el poeta romántico Percy Bysshe Shelley y su estrecha amistad con su amiga Elizabeth Hitchener, explicando la guapa vocalista Colette al respecto: “La idea se extiende a Hannah y yo, a nuestra hermandad. Sabemos intrínsecamente lo que el otro piensa y siente, la música es solo otro lenguaje que usamos para comunicarnos”. El álbum se grabó en su propio estudio en Londres, en donde las hermanas Thurlow estuvieron acompañadas del baterista Alex Robins. The Other I, sigue sobre la misma línea de su antecesor, pero esta vez, con ligeros cambios –algunos le llaman evolución, otros retroceso–, pero aún manteniendo ese sonido post-punk y shoegaze oscuro que ya los caracteriza, –excepto en «The Monaco» y su sonido casi country, aunque hay menos intensidad y rapidez que en su álbum debut, perdiendo algunos elementos, pero ganando en atmósfera. El álbum ya cuenta con 3 sencillos: «Orion», «Blindfold» y la enérgica «Crest». En resumen, sin muchos trucos de producción, solamente los riffs de las dos guitarras de las dos hermanas, las lineas de bajo de Hannah y la muy marcada batería de Alex Robins, que suena igual de genial que en su anterior álbum, con apenas algunos teclados ambientales, sobre todo en «Tender Shoots», un corto tema en donde la dulce voz en eco de Colette Thurlow es acompañada de un teclado atmosférico y un beat electrónico en el último track «Raptor», la banda británica nos ofrece otro buen álbum, no mejor que el primero, pero si de mis favoritos del 2014. Mis favoritas: «Orion», «Blindfold», «Sleepwalker», «Crest», «Pyro», «South» y «Raptor».

22. Dillon
The Unknown
BPitch Control (BR)

Lanzamiento: Marzo 31

Después de aquel excelente álbum debut This Silence Kills del 2011, en donde la brasileña –afincada en Berlín– Dominique Dillon de Byington, mezcla a la perfección elementos del pop, folk y electrónica y luego de su colaboración con Telefon Tel Aviv –Joshua Eustis/Sons of Magdalene–, en el extraordinario track «Feel the Fall», incluido en la compilación Where the Wind Blows de la BPitch Control –sello de Ellen Allien–, publicado en 2013 –una de mis cantantes favoritas del año–, nos entrega su tan esperado segundo álbum de estudio a través del mismo sello discográfico, en el cual, la enigmática y guapa cantante nos pone la «piel de gallina» igual como lo hizo en This Silence Kills, sólo que las 12 canciones de este segundo álbum, suenan más densas, oscuras, abstractas, melancólicas y carecen de alegría. The Unknown es más conceptual, generalmente composiciones de piano acompañados de capas ambientales, downtempo, post-techno y arreglos profundos y sutiles, que muestran el lado más introspectivo, íntimo y quebradizo de Dillon, junto a la versatilidad de su hermosa y desgarradora voz. Sensibilidad femenina pura. Después de escuchar el álbum, es difícil no sentirse conmovido. El álbum cuenta nuevamente con la participación de los productores alemanes Tamer Fahri Özgönenc y Thies Mynther en algunos tracks. Sin duda, el estilo de esta talentosa cantante y compositora es digna de compararse con el de Björk. Espero verla alguna vez en vivo. Mis favoritas: «The Unknown», «A Matter of Time», «You Cover Me», «Lightning Sparked» y «Nowhere».

21. Kyoka
Is (Is Superpowered)
Raster-Noton (JP)

Lanzamiento: Mayo 5

Is (Is Superpowered) es el álbum debut de la artista multi-instrumentista japonesa –con base en Berlín– Kyoka Kondo, después de haber publicado su EP iSH en Raster-Noton, siendo el único talento femenino del sello alemán, quien desde 2008, es conocida por su enfoque caótico, directo y un sonido áspero y pesado que resulta en un pop roto con ritmos experimentales aún bailables. En Is (Is Superpowered), Kyoka utiliza su propia voz con mucha más frecuencia de lo habitual, en forma de fragmentos cortos, así como melodías cantadas por más tiempo, utilizando su voz como si fuera un instrumento autónomo. El álbum fue producido por sus compañeros de sello, Frank Bretschneider y Robert Lippok –de To Rococo Rot– en el que también colaboran musicalmente –de ahí ese sonido tan característico–. «Lined Up» es el primer corte que me atrapó, ese techno industrial combinado con dancehall, de lo más interesante. «Rollin’ & Tumblin'» es una corriente de energía pura que corre a través del cuerpo, como si se tratara de cualquier track de Diamond Version –Alva Noto + Byetone–, una de sus principales influencias en el álbum. Hay también claras influencias de Aphex Twin, sobre todo en «New Energy Shuffle» y «Meander» con esas voces procesadas de Kyoka quien ha sido citada por el gran Ryuichi Sakamoto. Otro excelente track es «Piezo Version Vision», el corte más agresivo y poderoso del álbum, llena de breakbeats progresivos y un sample que nos recuerda al instante a The Prodigy. Sin duda, una excelente producción de techno industrial, minimal techno abstracto y glitch. La versión japonesa del álbum y la edición limitada en vinilo, incluye un bonus track para descargar gratuitamente. Mis favoritas: «Lined Up», «Rollin’ & Tumblin'», «New Energy Shuffle», «Re-Pulsion» y «Piezo Version Vision».

20. Blonde Redhead
Barragán
Kobalt (US)

Lanzamiento: Septiembre 2

No será el mejor álbum de la banda, pero es Blonde Redhead, quienes después de aquel grandioso Penny Sparkle del 2010 –mi favorito de la banda–, lanzaron casi sorpresivamente Barragán, su noveno álbum de estudio con inclinación experimental, esta vez de forma casi independiente y sin el respaldo del sello 4AD. El trío neoyorquino de rock alternativo compuesto por la japonesa Kazu Makino –voz y guitarra– y los gemelos italianos Simone –batería– y Amedeo Pace –guitarra y voz–, retoman en general en este nuevo material, el sonido del Misery Is A Butterfly del 2004. Un sonido más simple, sin muchos elementos electrónicos, pero con el dream pop, shoegaze y por instantes rock psicodélico que los caracteriza. El álbum lo abre «Barragán», una pequeña pieza instrumental forjada con una guitarra acústica, flauta y sonidos ambientales. El álbum en sí, comienza con «Lady M» en donde la hipnotizante e inigualable voz de Kazu –como siempre– cautiva. «Dripping» con todo y su final abrupto, es sin duda, uno de los mejores tracks del álbum y el primero en el que Amedeo interpreta vocalmente como suele hacer en cada álbum. Después vuele Kazu en «Cat on Tin Roof», «The One I Love» y «No More Honey», para cederle nuevamente el turno en la voz a Amadeo en «Mind to Be Had», el único track largo con casi 9 minutos de duración y el más psicodélico del álbum. «Defeatist Anthem (Harry and I)», está dividido en tres partes resultando muy interesante. El penúltimo track lleva por nombre «Penultimo» –mi favorita–, en la que Kazu hace un dueto con Amadeo, al igual que en «Seven Two», el tranquilo y minimalista tema que cierra el álbum. Blonde Redhead se presentará nuevamente –después de casi año y medio– en México para presentar este nuevo material, regresando a El Plaza Condesa en la Ciudad de México el próximo 21 de febrero y en el Teatro Diana en Guadalajara un día antes. Mis favoritas: «Dripping», «Cat on Tin Roof», «The One I Love», «Mind to Be Had», «Penultimo» y «Seven Two».

19. Kangding Ray
Solens Arc
Raster-Noton (FR)

Lanzamiento: Febrero 24

Otro release de la Raster-Noton. Soles Arc es el cuarto y nuevo álbum de estudio del artista audiovisual francés David Letellier –aka Kangding Ray–, que ha presentado en varios de los mejores festivales de música electrónica del mundo, entre ellos el festival MUTEK México 2014 en su segunda visita al festival –la primera fue en 2007– como parte de sus actividades del programa A/Visions 4 + Para/Visions 2 + Nocturno 2, durante la segunda noche en el Foto Museo Cuatro Caminos (FM4C). Solens Arc es un trabajo –esta vez sin voces– de experimental, minimal e industrial techno oscuro y poderoso, lleno de sintetizadores analógicos atmosféricos y percusiones abstractas, en el que cada uno de los 12 tracks del álbum, están unidos armónicamente –casi en su mayoría– por pequeños interludios –«The River», «The River (Reprise)», «L’envol», «Apogee» y «Crystal»– , que te invita a escuchar el álbum de principio a fin. Basta con cerrar los ojos mientras escuchas el álbum para perderte en el tiempo gracias a la progresividad de la mayoría de los tracks. Desde el primer track «Serendipity March», pasando por las más progresivas «Evento», «Blank Empire» –mis dos favoritas del álbum–, «Amber Decay», la oscura «History Of Obscurity» y los dos últimos tracks que cierran el álbum «Transitional Ballistics» y «Son». Después de 3 álbumes: Stabil del 2006, Automne Fold del 2008 y OR del 2011, Solens Arc es tal vez, su mejor trabajo de uno de los veteranos de Raster-Noton en donde es notable una madurez establecida. Sin duda, uno de los mejores álbumes que escuché en todo el 2014. No por nada forma parte también de otras listas especializadas de lo mejor del año. Mis favoritas: «Serendipity March», «Evento», «Blank Empire», «Amber Decay» y «Transitional Ballistics».

18. Alexandre Navarro
La Danse Des Substances – EP
DISQ AN (FR)

Lanzamiento: Octubre 4

Luego de la abrupta desaparición en la primera mitad del 2014 del sello francés de ambient SEM, que dirigían los productores Alexandre Navarro y Sasa Vojvodic –aka Letna– desde el 2007, con una larga lista de lanzamientos de artistas como The Green Kingdom, Saito Koji, Koutaro Fukui, los mexicanos Manrico Montero y Fax, Offthesky, Walltapper –proyecto de Daniel Maze–, Josh Mason, Segué y de los propios Alexandre Navarro y Letna, quienes editaron tanto en solitario como en conjunto bajo el nombre de Redfish, –su álbum homónimo y uno de mis favoritos del 2013–, además de varias compilaciones especiales con diversos artistas del globo terráqueo, el productor francés Alexandre Navarro –ahora bajo el pseudónimo de AN– publicó en octubre su nuevo EP, La Danse Des Substancies, en su nuevo y propio sello discográfico DISQ AN, siendo el primer release del sello en el que vuelve a colaborar con el diseñador gráfico alemán Markus Schäfer/Büro Ink, quien se encarga nuevamente del artwork de los discos. La Danse Des Substancies, limitado a 100 copias físicas y disponible en digital, está conformado por seis tracks de ambient y minimal abstracto y electrónica experimental. Desde «Le Soleil» la intro que abre el EP, «Lumière Terre» y «Terre Lumière» que comparten casi la misma estructura sonora, «Rite Végétal», «Survol Océans» y «Spica», están llenas de micro-beats, glitch, drone, ligeros sintetizadores y guitarras procesadas, creando texturas y estructuras sonoras minimalistas como suelen ser los trabajos de Navarro. Aún sigo consternado por la desaparición de SEM label, pero espero que con DISQ AN el parisino Alexandre Navarro logre lo que logró con SEM en sus 7 años de historia. ¡Larga vida DISQ AN! Mis favoritas: «Lumière Terre», «Survol Océans», «Terre Lumière» y «Spica».

17. Dark Sky
Imagin (Bonus Track Version)
Monkeytown (UK)

Lanzamiento: Agosto 22

Dark Sky es el nombre del proyecto de este trío de Londres compuesto por Carlo Anderson, Matthew Benyayer y Thomas Edwards, quienes luego de haber publicado dos EPs en el sello 50 Weapons y de haber aparecido en varias compilaciones de Monkeytown Records –ambos sellos de Modeselektor–, creando una estrecha relación de trabajo con Gernot Bronsert y Sebastian Szary, por lo que los llevó a publicar su álbum debut en su sello Monkeytown Records, naturalmente. El álbum está hecho para tocarse en vivo, lleno de sintetizadores análogos y percusiones procesadas, creando una electrónica gótica y orgánica con tintes de post-dubstep, jazz abstracto, ambient y trip-hop con vocales de Grey Reverend, Cornelia –quienes participaron también en el álbum The North Borders del 2013 de Bonobo– y de dBridge en «Rainkist». El álbum abre con «Imagin», que comienza con un sintetizador muy a lo Nils Frahm y después explota con un beat a la Modeselektor –una de sus principales influencias durante casi todo el álbum–. Le sigue «Silent Fall» en la que la voz de Grey Reverend le da una sensibilidad especial. «Voyages» contrasta porque incluyen ritmos brasileños, mientras en «Lucid» es un corto track totalmente atmosférico influenciado por cualquier interludio de Moderat. En «Vivid» –mi favorita del álbum– marcada por el ritmo puro y limpio de la batería, «Nothing Changes» y «Purple Clouds», son endulzadas por la suave y atmosférica voz de Cornelia. «Odyssey» –mi segunda favorita– es sin duda, otra de las mejores y la más bailable del álbum. «Manuka» es otra de las piezas más interesantes del álbum. La versión digital incluye el track instrumental «Suite Hope», como bonus track. Sin duda, un gran álbum debut. Mis favoritas: «Imagin», «Silent Fall», «Vivid», «Nothing Changes», «Odyssey», «Rainkist» y «Manuka».

16. Max Cooper
Human
FIELDS (UK)

Lanzamiento: Marzo 10

Otro de los artistas que se presentaron dentro del festival MUTEK.MX 2014 en el FM4C, fue el DJ y productor británico –con doctorado en Biología Computacional– Max Cooper, quien después de haber lanzado varios EPs solistas y en colaboraciones –sobre todo música para clubs–, lanzó en 2014 su álbum debut Human en el sello FIELDS. Un álbum ambicioso, en el que explora varios géneros de la electrónica, abriendo con «Woven Ancestry», una delicada pieza ambient con neo clásica digital que nos recuerda inmediatamente a la delicada música de Apparat y en la que Max utilizó ins­tru­men­tos antiguos de todo el mundo. «Adrift» –el primer single– cuenta con la colaboración en las vocales de la cantante londinense Kathrin deBoer –de Belleruche–, quien le da esa sensibilidad humana es una combinación entre IDM y trip-hop, al igual que en «Numb» –esta última más bailable–. También incluye la participación del trío canadiense Braids –o al menos de su vocalista Raphaelle Standell-Preston– en una nueva versión al track «Automaton», editada originalmente en un EP en colaboración en 2012. «Supine» es mi favorita del álbum, es una verdadera exquisitez para el dancefloor, una joya. Algunos tracks son más abstractos, experimentales, con tintes glitch y noise, como en «Seething«, «Impacts» y «Potency». Otras, como la ya mencionada «Woven Ancestry» y «Empyrean» son más sensibles. «Apparitions» y el track que cierra el álbum «Awakening», también navegan entre lo experimental y el ambient. La música de Max Cooper puede sonar al Immunity de Jon Hopkins, puede hacerte bailar y sentirte melancólico de un track a otro. Ambientes vocales, delicadas notas de piano, bases rítmicas y ruido, crean un paisaje multicolor en este excelente álbum debut. Mis favoritas: «Woven Ancestry», «Adrift (feat. Kathrin deBoer)», «Automaton (feat. Braids)», «Supine», «Numb (feat. Kathrin deBoer)», «Empyrean» y «Potency».

15. Clark
Clark
Warp (UK)

Lanzamiento: Noviembre 3

Aphex Twin no es el único veterano de Warp Records que regresó con nuevo álbum. Con 13 años en la escena, el virtuoso inglés Chris Clark presentó su séptimo álbum homónimo casi a finales del 2014. Un álbum claramente influenciado por la música del ya mencionado Aphex Twin –tal vez de ahí que forme parte de Warp– y de Boards of Canada, lleno de muchos contrastes. Beats duros, un techno denso y oscuro y un intelligent dance music orgánico producido por sus máquinas, samplers, sintetizadores y software. El álbum abre con la intro de apenas un minuto y ocho segundos «Ship Is Flooding», para dar paso a la extraordinaria «Winter Linn», donde los beats cambian en la última parte, dándole un contraste más alto. Otra de las mejores del álbum es, sin duda, el tercer track «Unfurla», un track de techno fino y puro con sonidos del fin del mundo, mientras el cuarto track «Strength Through Fragility» tiene una melodía melancólica de piano que suaviza el ambiente después de los dos anteriores tracks y sirviendo como intro de «Sodium Trimmers», otra de las piezas más duras e hipnotizantes del álbum con poderosos beats que desearía que siguieran así por más de los 3’39» que dura el track, para seguir enseguida con «Banjo» –mi favorita de todo el álbum– que hace volar la cabeza a cualquiera gracias a esos beats aún más agresivos que me recuerdan un poco al sonido del francés Gesaffelstein. Las voces blancas y oscuras entrelazadas que podemos escuchar al final de «Banjo», en «Snowbird» y «The Grit In the Pearl» y los sintetizadores fríos y calculados en «Beacon» y «Petroleum Tinged», junto a «Silvered Iris», «There’s a Distance In You» y «Everlane» –esta última la única pieza de ambient/experimental que cierra el álbum–, hacen de este material, uno de los mejores del 2014. Mis favoritas: «Winter Linn», «Unfurla», «Sodium Trimmers», «Banjo», «The Grit In the Pearl», «Silvered Iris» y «Everlane».

14. Caribou
Our Love
Merge (CA)

Lanzamiento: Octubre 7

El músico y productor canadiense –con doctorado en Matemáticas– Daniel Snaith, quien ha trabajado musicalmente bajo el nombre de Manitoba y Daphni, nos entrega su cuarta producción bajo su pseudónimo más reconocible. Our Love, trata en esencia, sobre la multiplicidad de sensaciones que puede generar el amor. Tal vez, el álbum más íntimo de Caribou, un ensayo que revela el lado más pasional de su música. El primer track «Can’t Do Without You» es perfecta, comienza con un loop vocal in crescendo para después deleitarnos auditivamente con un house orgánico, ad hoc para cualquier pista de baile. «Silver» –mi favorita– es la pieza más delicada y atmosférica del álbum, en donde la voz melódica de Dan le da aún más sensibilidad, al igual que en «Back Home». «All I Ever Need» y «Your Love Will Set You Free» son otros dos tracks en las que canta Dan que se prestan para la pista de baile, sobre todo el track que le da nombre al álbum, la cual es impredecible por sus diferentes capas, el violín de Owen Pallett de fondo le da un toque de música disco de los años setenta, para después convertirse en un tema dedicado totalmente al dancefloor. En «Second Chance» colabora la cantante canadiense Jessy Lanza, un track de R&B con bastante pop, una conjunción que no es mucho de mi gusto personal, pero que curiosamente suena exquisita por la voz sensual de Jessy Lanza –obviamente– que acompaña los sonidos producidos por Dan dándole un giro interesante al track. En resumen, es un álbum de house orgánico, loops y atmósferas que crea la melancolía de los sintetizadores, en donde Dan muestra sus tres facetas: lo psicodélico, lo experimental y lo bailable. Cabe mencionar que en los actos en vivo de Caribou, el proyecto se convierte en un cuarteto con una batería, guitarras y más sintetizadores, que hacen de su live act, más vivo e interesante. Mis favoritas: «Can’t Do Without You», «Silver», «All I Ever Need», «Our Love», «Second Chance» y «Back Home».

13. The Acid
Liminal
Infectious (UK)

Lanzamiento: Julio 7

Liminal es el álbum debut del trío electrónico The Acid, nuevo proyecto en conjunto del DJ y productor británico Adam Freeland, el productor, compositor y experto en Ableton Live californiano Steve Nalepa y el vocalista y músico australiano Ry Cuming –aka Ry X–, quienes luego de haber publicado su EP homónimo en abril del 2014 con cuatro extraordinarios tracks: «Animal», «Basic Instinct», «Fame» y «Tumbling Lights», que no podían quedar fuera de este su primer LP, que va desde influencias del post-rock y post-dubstep, hasta momentos pop indietrónico y R&B. La voz de Ry X y la música de The Acid, tienen claras influencias de James Blake –incluso la portada claramente inspirada en la del álbum debut homónimo de Blake del 2011–, de Thom Yorke, Darkside y Baths, pero aún así, conservando un sonido propio más oscuro y frío durante los 11 tracks del álbum. «Animal» el primer track, tiene toda la referencia de James Blake, con rasgueos de guitarra distantes y voces susurrando. Saltando a «Creeper», la pieza más cruda y ácida del álbum. «Fame» es otro gran track con riffs de guitarra eléctrica, mientras «Ra» y la multifacética «Basic Instinct», contrastan del resto del álbum al incluir la guitarra acústica con esos sonidos electrónicos, adentrándose en la folktrónica. Ese frío y emocionante intro instrumental de poco más de dos minutos en «Tumbling Lights», complementa a la perfección el track, simplemente extraordinario. «Ghost», es el track más bailable –si podemos nombrar uno– y otra de las mejores. «Red» comienza con unos bajos in crescendo muy similar a «Drive» del dúo electrónico Beacon –de su álbum debut publicado en 2013 por Ghostly International–, pero que se mantienen durante casi todo el tema. Las demás «Veda», «Clean» y «Feed», hacen de Liminal, un álbum de electrónica minimalista llena de ambientes inhóspitos, beats esporádicos conviviendo con bajos profundos, voces distantes y procesadas. Otro gran debut. Mis favoritas: «Animal», «Creeper», «Fame», «Ra», «Tumbling Lights», «Ghost» y «Basic Instinct».

12. Ben Frost
A U R O R A
Mute (AU)

Lanzamiento: Mayo 26

El australiano Ben Frost –con residencia en Reykjavík, Islandia, desde hace varios años–, sorprendió en 2014 con su álbum A U R O R A lanzado por el sello inglés Mute Records en colaboración con Bedroom Community, en el que esta vez, sin la ayuda de guitarras, pianos e instrumentos de cuerda, nos ofrece un excelente álbum imposible de clasificar dentro de un género en específico y que bien podría ser considerado o utilizado como score/soundtrack para algún filme del género de terror y suspenso o de ciencia ficción. En A U R O R A, podemos escuchar dark ambient, drone, avant-garde, industrial, glitch, noise, incluso metal. «Flex», el corto track que abre el álbum, es un anticipo de lo que nos espera durante el resto del álbum. «Nolan», «Secant», la corta «Diphenyl Oxalate» y «Venter» –mi favorita–, son los tracks más hipnóticos del álbum, llenos de noise, caos, percusiones y demás sonidos experimentales, mientras «The Teeth Behind the Kisses» es un poco más tranquila y minimalista y en la que en los primeros y últimos segundos podemos apreciar unos delicados glitches que suenan a los de Alva Noto y su colaboración con Ryuichi Sakamoto. «No Sorrowing» es una pieza completamente de ambient experimental y los últimos cortes «Sola Fide» junto a «A Single Point of Blinding Light» son todo un «trip» profundo, sin la necesidad de ingerir cosas extrañas. La edición japonesa de A U R O R A  incluye el bonus track «Rare Decay». Un álbum difícil de digerir, pero sin duda, uno de los mejores del año y otro de los artistas que se presentó en la última edición del festival MUTEK.MX durante su segunda noche de actividades en el FM4C que tenía muchas ganas de ver junto a Kangding Ray y Max Cooper, y que desafortunadamente no pude asistir de último momento. Antes de que se acabara el año, Ben Frost lanzó en diciembre el EP V A R I A N T, con cinco remixes a tres tracks del álbum, hechos por Evian Christ, Dutch E Germ, HTRK, Regis y el gran Kangding Ray con un excelente remix a «No Sorrowing». Mis favoritas: «Flex», «Nolan», «Secant», «Venter», «Sola Fide» y «A Single Point of Blinding Light».

11. Jon Hopkins
Asleep Versions – EP
Domino (UK)

Lanzamiento: Noviembre 10

Después de haber lanzado una versión bonus tracks y otra extendida de su aclamado álbum Immunity –uno de los mejores álbumes del 2013– con remixes de Luke Abbott, Nosaj Thing, entre otros, incluyendo la colaboración con Megan James de Purity Ring y los vídeos oficiales de «Open Eye Signal» y «Breathe This Air» con Purity Ring, además del EP, We Disappear, que incluye la colaboración con la cantante británica de soul Lulu James, su versión instrumental y un remix de «Abandon Window» hecho por Moderat, y luego de haber visto por primera vez su entrañable y espectacular live set en la pasada onceava edición del festival MUTEK.MX –más al respecto–, el productor británico Jon Hopkins sigue sacando provecho del gran éxito que le dio el álbum que lo llevó a obtener una nominación al Mercury Prize en 2013, publicando este nuevo EP con re-works a cuatro temas del Immunity. Grabado en Mosfellsbær, Islandia –a las afueras de Reykjavík–, Asleep Version fue concebido como una sola pieza de 25 minutos de música continua. Cuatro nuevas composiciones ambientales exuberantes unidas armónicamente entre sí, con sutiles acordes de piano, percusiones simples, field recordings y grandes colaboraciones vocales que desarrollan todo el potencial de los temas seleccionados. La nueva versión de “Immunity” –track que abre el EP–, cuenta nuevamente con la voz del cantante y compositor escocés King Creosote, dándole una sensibilidad mucho más profunda, al igual que lo hace Raphaelle Sandell-Preston –vocalista de Braids y de Blue Hawaii–, quien colaboró en “Form By Firelight”. La otra mitad del álbum está compuesta por “Breathe This Air” y “Open Eye Signal” en su «Asleep Version». En esta nueva versión de «Breathe This Air», Hopkins vuelve a incluir fragmentos de la voz de Megan James –de Purity Ring– que se mezclan sutilmente en una fina textura ambiental, mientras que en «Open Eye Signal» con sus 11 minutos de duración, nos sumerge en los paisajes invernales de las frías tierras de Islandia. Mis favoritas: «Immunity (with King Creosote)», «Form By Firelight (with Raphaelle Sandell)» y «Breathe This Air (Asleep Version)».

10. Beacon
L1 – EP
Ghostly International (US)

Lanzamiento: Diciembre 2

Beacon fue uno de mis proyectos favoritos del 2013. La música que crea este dúo electrónico de Brooklyn formado por Thomas Mullarney III y Jacob Gossett, es introspectiva y emotiva. Después de su excelente álbum debut The Ways We Separate –otro de los mejores álbumes del 2013–, de un álbum de remixes a dicho álbum y de un remix que le hicieron a «See», el cuarto single del tercer álbum de Tycho, el dúo lanzó en vísperas del 2015 su nuevo y tercer EP a través del sello Ghostly International. Los cinco tracks de este extended play se basan cada una de ellas, en el fenómeno natural de la física gravitacional conocido como «Puntos de Lagrange», donde el cantante y productor Thomas Mullarney III traduce la idea de reflexiones matizadas sobre el conflicto interno, las relaciones humanas y las preguntas sobre el deseo, la culpa y el placer. En estos cinco nuevos tracks podemos notar una evolución sonora a sus trabajos anteriores, ritmos más rápidos provenientes del breakbeat, mediante secuencias rítmicas cargadas de hipnotismo, sintetizadores analógicos, bajos profundos y suaves capas vocales, mezcladas con electrónica ambiental, downtempo, un R&B amorfo y un post-dubstep futurista. Abriendo con las melodías digitales y ritmos rápidos de «Fault Lines» y la sensación de aislamiento e introspección de «L1» –primeros dos cortes que escuchamos antes de su publicación oficial–, siguiendo con «Minor Structures», otro track lleno de breakbeats, para después tener una pausa con «Better Love», una profunda canción de cuna en donde la voz de Thomas Mullarney nos lleva por ambientes más armónicos. «Only Us», el quinto y último track, pareciera como si estuviera dividido en dos, después de una pequeña pausa en la última parte de ésta, lo que hace parecer como si fueran dos tracks diferentes. Aunque no es un álbum como tal, es uno de los mejores releases del 2014, mientras esperamos el segundo álbum de estudio de este excelente dúo electrónico. Mis favoritas: «Fault Lines», «L1» y «Better Love».

9. Christopher Willits
OPENING
Ghostly International (US)

Lanzamiento: Septiembre 2

El guitarrista y artista audiovisual de San Francisco, Christopher Willits, publicó en septiembre en el sello Ghostly International, OPENING, su nuevo proyecto que consiste en un álbum formado por 7 tracks de exquisita música ambient digi-acoustic, acompañado de una película de 45 minutos de duración, dirigida y editada por el propio Willits y filmada junto a Andrew Binkley durante 4 años en diferentes viajes a California, Hawái, Japón y Tailandia, película que puede ser rentada y adquirida a través de Vimeo On Demand. «No hay actores ni diálogo en esta película. El público y su percepción es el personaje principal, y la imaginación de todo el mundo va a crear un sentido que es relevante para su propia experiencia. Mi intención es crear un espacio donde la gente puede abrirse y expandirse, relajarse y recargarse de energía» dice Willits al respecto. El álbum también cuenta con una serie de 7 fotografías (cada una dedicada a cada track del álbum) y acompañado por un inmerso live perforare audiovisual que Willits sigue presentando alrededor del mundo en la actual gira Awake World Tour de Tycho –Scott Hansen–, quien participa en este álbum tocando algunos sintetizadores en varios tracks y quien también fue el encargado junto a Willits del artwork del álbum. Además de Scott Hansen, también participan Zac Brown en la guitarra y Rory O’Connor en la batería, quienes lo acompañan con su proyecto Tycho en sus actos en vivo. OPENING se describe mejor como una experiencia diseñada para inspirar un espacio de paz y expansión. La música y la superposición fotográfica y fílmica de Willits en una especie de narrativa abstracta de hablar con la transformación personal y la conexión con la tierra. El audio y la película que lo acompaña, crean un concepto completo y ambicioso lleno de paisajes sonoros contemplativos, field recordings, minuciosas texturas y sutilezas armónicas con delicadas manipulaciones de guitarras electro-acústicas y brillantes beats y sintetizadores suaves en un rendimiento multi-sensorial. «CLEAR» –el primer single–, define de la mejor forma todo este álbum que ya había reseñado en este blog con anterioridad. OPENING no sólo es uno de los mejores álbumes de ambient que he escuchado últimamente, sino uno de los mejores del año. Recomiendo escucharlo de principio a fin con un buen equipo de sonido o unos buenos audífonos. Mis favoritas: «VISION», «CLEAR», «CONNECT», «WIDE» y «RELEASE».

8. GoGo Penguin
v2.0 (Deluxe Edition)
Gondwana (UK)

Lanzamiento: Octubre 20

v2.0 es el segundo álbum del trío de música acústica-electrónica contemporánea GoGo Penguin, compuesto por el pianista Chris Illingworth, el bajista Nick Blacka y el baterista Rob Turner provenientes de Manchester, publicado originalmente en marzo del 2014 y reeditado en una edición Deluxe en octubre con tres bonus tracks. Basándose en una infusión embriagadora de influencias de Brian Eno, John Cage, Massive Attack y Aphex Twin en las calles urbanas grises con manto de lluvia de Manchester, el trío crea un nuevo y valiente sonido que es totalmente suyo. Definido por ritmos break-beats, potentes subgraves, interacción telepática y una inclinación por la melodía de himnos, crean un paladar emocionalmente rico para el oyente que los ha visto aclamados como la nueva banda más excitante que surgió del Reino Unido en años. Desde el track que abre el álbum, «Murmuration», una delicada pieza improvisada e influenciada por Ryuichi Sakamoto y por el lado más ambiental de Jon Hopkins que va increscendo, pasando por los ritmos cambiantes al estilo de Aphex Twin dignos para la pista de baile en «Garden Dog Barbecue» en donde cada uno demuestra su destreza y virtuosismo en sus respectivos instrumentos acústicos, el jazz progresivo de «Kamaloka», la batería  «techno» en vivo de Turner y los loops de piano en «Fort», ese final roto en bucle y sincronizado perfectamente en «One Percent» que pareciera que fue editado digitalmente, la libre improvisación en «Home», el jazz clásico en la lenta «The Letter», los break-beats acústicos y el minimalismo abstracto de «To Drown In You» y «Shock And Awe», y la pieza que cierra el álbum originalmente, «Hopopono», así como los tres bonus tracks de esta edición y no menos importantes, «Break», «In Amber» y «Wash», completan el álbum brillantemente con una exquisita mezcla de jazz, techno, hasta hip-hop y dubstep, creando uno de los mejores lanzamientos del año ganándose su nominación muy merecidamente en los Mercury Prize 2014. Sin duda, uno de los grupos de tres piezas más formidables del siglo XXI. Altamente recomendables. Mis favoritas: «Murmuration», «Garden Dog Barbecue», «Kamaloka», «Fort», «One Percent», «Hopopono», «In Amber (Bonus Track)» y «Wash (Bonus Track)».

7. Bonobo
The North Borders Tour. – Live.
Ninja Tune (UK)

Lanzamiento: Octubre 6

Lanzado durante su extensa gira alrededor del mundo para la promoción de su último trabajo de estudio The North Borders del 2013 –otro de los mejores álbumes del año–, en la que el productor y DJ británico Simon Green –aka Bonobo–, junto a una banda completa conformada por un teclista, un guitarrista, una sección de cuerdas y viento, un baterista e invitados especiales en los vocales, quienes recorrieron 180 mil millas, tocando 175 conciertos en 30 países de 3 continentes durante 18 meses frente a 2 millones de personas, –sin contar sus DJ sets–, convirtiéndose en uno de los mejores live acts del año, lo que llevó al productor a lanzar un merecido box set de lujo CD+DVD, acompañado de un libro con 70 páginas que incluyen fotografías e historias de los miembros de la banda. El CD –tanto físico, como digital– incluye temas en vivo de sus últimas tres producciones: Days to Come del 2006, Black Sands del 2010 y del grandioso The North Borders, grabadas en el Roundhouse de Londres, en la Arena Pula –un anfiteatro romano de 2000 años de antigüedad– como parte del concierto de apertura del Dimensions Festival 2013 en Croacia y en los estudios de la KEXP en Seattle y de la KCRW en Los Ángeles durante su gira The North Borders Tour, con la banda completa y las cantantes de neo-soul con las que ha colaborado en sus producciones: Andreya Triana, Szjerdene y Cornelia. Mientras que el DVD contiene imágenes increíbles del espectáculo de Bonobo en la Arena Pula, Croacia y en el Roundhouse de Londres en 2013, además de entrevistas y escenas detrás de cámaras de uno de sus conciertos en California, como documental. Un gran registro de su última gira que capta la intensidad de sus shows en vivo como banda, sobre todo para México que no formó parte de dicha gira. El último concierto de esta gira, tuvo lugar en el legendario Alexandra Palace el 28 de noviembre del 2014 y fue transmitido en vivo alrededor del mundo a través de Boiler Room. Sin duda, un excelente y exquisito álbum en vivo de chillwave orgánico, downtempo, trip-hop con tintes dubstep, witch-house y mucho acid jazz. Recientemente, a principios de diciembre, Bonobo publicó el EP, Flashlight con tres excelentes nuevos tracks en su casa disquera Ninja Tune. Ambos materiales, muy recomendables. Mis favoritas: «Cirrus», «Prelude/Kiara/Ten Tigers», «Emkay», «Towers (feat. Szjerdene)», «Transits (feat. Szjerdene)», «Know You» y «Pieces (feat. Cornelia)».

6. Goldfrapp
Tales of Us (Deluxe Edition)
Mute (UK)

Lanzamiento: Junio 30

En septiembre del 2013 el dúo inglés electrónico Goldfrapp, formado por Will Gregory y la guapísima Alison Goldfrapp, publicaron su sexto álbum de estudio Tales of Us, en el que decidieron alejarse de su synth-pop característico y virar nuevamente hacia un sonido más ambiental de sus inicios, trayéndonos 10 bellas canciones de cuna con música de cámara y guitarras acústicas que acompañan la hermosa y arrulladora voz de Alison. Un álbum que incluí en mi lista de los mejores del 2013 y este año nuevamente aparece con una reedición Deluxe que lanzaron a finales de junio en formato digital, que incluye además de los 10 temas que conforman el álbum originalmente, otros 10 temas más como bonus tracks extraídos de una actuación exclusiva en vivo desde los estudios Air en Londres y adicionalmente, 5 sutiles videoclips de las historias individuales destacadas del álbum: «Stranger», «Laurel», «Jo», «Drew» y «Annabel» –que ganó Mejor Video Musical en el Trans Gender Film Fest–, dirigidos por la directora y guionista Lisa Gynning y que forman parte del galardonado cortometraje Tales of Us, co-creado por Alison Goldfrapp y Lisa Gynning que se estrenó en el Festival de Cortometrajes de Londres en marzo de 2014, el cual ganó en el Festival de Cine de Byron Bay y el cual se exhibió en cinemas por un tiempo muy limitado, haciendo de esta nueva edición, uno de mis álbumes favoritos del año, sobre todo por los 10 temas en vivo de los cuales incluyen algunos clásicos de una de mis bandas favoritas, como las extraordinarias «Utopia» y «Lovely Head» de su álbum debut Felt Mountain del año 2000, «Clowns» de su cuarto álbum Seventh Tree del 2008, las bailables y enérgicas «Train» y «Struct Machine» del segundo álbum Black Cherry del 2003 que cierran el álbum o las versiones impresionantes y fascinantes de «Clay», «Alvar» y «Thea» de este Tales of Us, entre otras. También existe un Box Set Deluxe que incluye un bonus CD con el lado B «Lee», un remix de «Stranger» hecho con un sintetizador Moog, una versión alterna de «Thea» con la cantante china Sa Dingding, tres tracks en vivo grabadas en Manchester y un extracto instrumental para soundtrack titulado «Nowhere Boy». Espero que muy pronto regresen a México para escuchar estas maravillosas canciones en vivo con todo y músicos de cámara. Mis favoritas: «Jo», «Annabel», «Drew», «Stranger», «Utopia (Live From Air Studios)», «Clay (Live From Air Studios)», «Alvar (Live From Air Studios)», «Lovely Head (Live From Air Studios)» y «Thea (Live From Air Studios)».

5. GusGus
Mexico
Kompakt (IS)

Lanzamiento: Junio 23

Con 20 años de carrera, la banda legendaria de culto de música techno, house y trip-hop GusGus, originarios de Reykjavík, Islandia y actualmente integrada por Stephan Stephenson, Birgir Þórarinsson, Daníel Ágúst Haraldsson y Högni Egilsson, publicaron a mediados del 2014 su noveno álbum de estudio titulado Mexico en homenaje a nuestro país, por lo que era obligatorio y necesario que volvieran a pisar México después de más de una década de su primera visita al país. Los islandeses presentaron este nuevo material con Magnús Guðmundsson en lugar de Stephan Stephensen en la pasada edición del Corona Capital y durante una de las sesiones de Boiler Room México que se realizó secretamente en el Centro Cultural de España, en el Centro Histórico de la Ciudad de México en octubre y que fue transmitida a todo el mundo vía streaming desde el portal web de Boiler Room. Sesión en vivo a la que fui invitado por una amiga de Reykjavík muy cercana a la banda a quien le agradezco infinitamente y en la que tocaron 7 de los 9 tracks de este álbum. Sin duda, una gran experiencia. –Aquí mi reseña–. Al igual a su antecesor Arabian Horse del 2011, Mexico está lleno de sintetizadores analógicos que producen su característico minimal techno y house y en el que incluyeron esta vez, varios violines con algunas reminiscencias de la música disco. «Obnoxiously Sexual», el track que abre el álbum es perfecto para la pista de baile con esos beats que acompañan la poderosa voz de Högni Egilsson, quien le da ese sonido soul cargado de electro-R&B y funk, al igual que en «God Application». Mientras que en la housera «Another Life», el segundo track, la cantante Urður Hákonardóttir vuelve a colaborar con su voz como lo hizo en el álbum Arabian Horse. La grandiosa voz llena de diferentes matices del vocalista principal Daniel Ágúst en «Sustain», «Crossfade» (en la que hace dueto con Högni Egilsson), «Not The First Time», «Airwaves» (un excelente e hipnótico track de trance progresivo que pone a bailar a cualquiera, al igual que el track instrumental más techno del álbum que da título al mismo, las mejores dos piezas del álbum) y sobre todo en «This Is What You Get When You Mess With Love» (un track más tranquilo que cierra perfectamente el álbum luego de una dosis de música para bailar), hacen de este álbum, uno de los mejores del año y uno dedicado totalmente al dancefloor. «Breaking Down», es un track inédito que no viene incluido oficialmente en el álbum, pero posiblemente la incluyan posteriormente en una edición especial. Dicho track es un cover de 6 minutos y medio de duración, de Ananda Project en la voz de Högni Egilsson y Urður Hákonardóttir, que me enviaron en formato WAV sólo para escucha personal, así que no me pidan que se las comparta por favor. Mis favoritas: «Obnoxiously Sexual», «Crossfade», «Airwaves», «Not The First Time» y «Mexico».

4. Sons of Magdalene
Move to Pain
Audraglint (US)

Lanzamiento: Junio 24

Joshua Eustis es el genio detrás de este proyecto con el que editó un EP con la Orquesta de Cámara de la Universidad Loyola de Nueva Orleans, titulado Ephemera en 2008 y quien después de la publicación de aquel tercer y último álbum de Telefon Tel Aviv, Immolate Yourself en 2009 y tras la muerte de su compañero Charlie Cooper con quien creó uno de los mejores proyectos de IDM de la historia, además de haber colaborado con varias bandas –entre ellas NIN durante su última gira–, Josh Eustis retomó este proyecto solista editando su álbum debut Move to Pain. Grabado en Chicago y Los Ángeles, Move to Pain puede considerarse la continuación del tercer y último álbum de TTA por ese sonido analógico, oscuro, frío y melancólico que acaricia el IDM y el synth-pop de la década de los ochenta en los 9 tracks que conforman el álbum. En “Hold on Hold Still for a Second” –track que abre el álbum–, “Move to Pain” y “Can’t Won’t Don’t Want To”, son una mezcla entre la versión original de 1984 de “West End Girls” de los Pet Shop Boys y “Musique Non Stop” de Kraftwerk de 1986 con el toque personal de Josh que por veces nos recuerda vocalmente a Apparat y Nicolas Jaar. “Bitter Soliloquy” y “Unfortunate Phone Call” son dos interludios instrumentales cortos llenos de sintetizadores atmosféricos, este último muy similar a “Clouded (Interlude)” del álbum II de sus amigos de Moderat. “The Whip”, tercer track del álbum y uno de mis favoritos, es un track oscuro en donde la voz de Josh se mezcla perfectamente con la de la artista Ashley Klich en el coro. En “A Strange Sound”, Josh anota su mayor rendimiento vocal maniobrando con una buena melodía. “O, Death” es otra de las más oscuras y frías del álbum, donde predomina unos poderosos bajos y un beat que van in creciendo a medida que avanza la canción con voces casi susurrando. “Crows on the Eaves of My Father’s House”, es el track que cierra el álbum perfectamente con un final abrupto, y otro de los temas que bien podrían haber estado incluidos en el Immolate Yourself de TTA. Espero pronto presente este material en México, después de aquel lejano concierto a lado de Charlie Cooper como Telefon Tel Aviv en MUTEK.MX en 2006, mi primer MUTEK. Mis favoritas: «Hold on Hold Still for a Second», «The Whip», «Move to Pain», «A Strange Sound», “O, Death” y «Can’t Won’t Don’t Want To».

3. Diamond Version
CI
Mute (DE)

Lanzamiento: Junio 2

Otro de los álbumes que ya había reseñado con anterioridad, es el álbum debut de Diamond Version, el súper proyecto de Carsten Nicolai –aka Alva Noto– y Olaf Bender –aka Byetone–, formado posteriormente a otro proyecto en colaboración a lado de Frank Bretschneider llamado Signal. Después de editar 5 EPs entre 2012 y 2013 en el sello Mute Records, los cuales reunieron en un álbum compilatorio posteriormente –otro más de los mejores álbumes del 2013–, en el que incluye adicionalmente un remix hecho por el gran Martin L. Gore de Depeche Mode a quienes les abrieron varios de sus conciertos durante su última gira Delta Machine Tour por Europa del Este en 2013, Diamond Version, por fin editó su LP debut nuevamente a través de Mute en colaboración con el sello que comandan juntos, Raster-Noton. “Fluorescencia constructivista” es como Alva Noto y Byetone llaman a sus veloces patrones básicos de sonidos electrónicos, que combinan pulso e intensidad. CI, son las siglas de Corporate Identity, un título bastante apropiado para el sonido de esta dupla alemana de post-techno, que pone a pensar sobre la evolución tecnológica, ideológica y humana. Compuesto por 10 tracks de techno industrial, minimalista, elegante y poderoso ya característico de este súper proyecto. Cuenta además, con algunas colaboraciones especiales, desde la modelo y poeta Leslie Winer en «This Blank Action», los japoneses Atsuhiro Ito en una nueva versión de «Operate At Your Optimum» y Kyoka en «Feel the Freedom», hasta el legendario Neil Tennant –de los Pet Shop Boys– en el track “Were You There”. Y nuevas versiones de «Turn On Tomorrow», «Science For a Better Life» y «Make.Believe», capturando así, el aspecto de sus shows en vivo, como el que presentaron recientemente en su debut en México durante la décima edición del festival MUTEK.MX en 2013 en donde hicieron volar cabezas. Uno de los mejores live acts audiovisuales. –Aquí la reseña–. “Access To Excellence”, “Raising The Bar” y “Connecting People” son otros de los temas inéditos de este poderoso álbum lleno de voces en loop, glitches y demás sonidos que emulan a maquinaria industrial y otros de la vida cotidiana –herencia directa de Kraftwerk–, que hacen de CI, un álbum para oídos exigentes. Mis favoritas: «This Blank Action (feat. Leslie Winer)», «Access To Excellence», «Feel the Freedom (feat. Kyoka)», «Raising the Bar», «Were You There (feat. Neil Tennant)», «Operate At Your Optimum (feat. Atsuhiro Ito)», «Science For a Better Life (CI)» y «Conecting People».

2. Kiasmos
Kiasmos
Erased Tapes (IS)

Lanzamiento: Octubre 27

Todo parece que la buena música sale de Islandia. Con sede en Reykjavík, Kiasmos es el proyecto electrónico en colaboración compuesto por el premiado compositor Ólafur Arnalds –uno de mis favoritos de música neoclásica junto a Nils Frahm–, conocido por su mezcla única de composiciones minimalistas de piano y cuerda con sonidos electrónicos y por Janus Rasmussen, conocido como el autor intelectual del proyecto de electro-pop, Bloodgroup, quienes tras varios años de amistad y colaboración profesional, decidieron convertir su gusto por el minimalismo experimental en algo más que una obsesión compartida. El proyecto ha existido desde 2009 con el cual editaron dos EPs: 65/Milo con Rival Consoles en 2009 y Thrown en 2012 con remixes de FaltyDL y 65daysofstatic, además de algunos tracks sueltos para las compilaciones especiales del sello Erased Tapes, como en la última compilación #6 que fue lanzado en la primera semana del año de forma digital para su descarga gratuita desde la página web del sello. Y después de incluir un excepcional remix al track que le da nombre al último álbum de estudio de Ólafur Arnalds, For Now I Am Winter, editado en 2013 en su versión bonus tracks –otro de los mejores de ese año– junto con un rework de Nils Frahm a dicho track, los islandeses decidieron dedicarle más tiempo al proyecto durante el 2014, para editar este maravilloso álbum debut homónimo, el cual mezcla a la perfección la música clásica moderna con un elegante house y minimal techno a través de las 8 pistas –generalmente de larga duración– que componen el álbum, creando un sonido híbrido. Grabado en los nuevos estudios de Arnalds en Reykjavík, con instrumentos acústicos, en el que se incluye un cuarteto de cuerda, percusiones en vivo y los sutiles acordes de piano del propio Arnalds, además de una amplia variedad de sintetizadores y cajas de ritmos controlados por Rasmussen, incluso hasta chasquidos de dedos, para reemplazar los sonidos electrónicos habituales, dándole al álbum un ambiente mucho más íntimo y único. «Decidimos empezar casi por completo de nuevo con este álbum, por lo que la mayoría del material está escrito durante 2014 con la idea de hacer un disco que puede presentarse como una sola pieza, en lugar de una colección de canciones. Estoy muy emocionado de tener un álbum adecuado para explorar un territorio diferente a lo que estoy acostumbrado. Puedo tocar un montón de géneros electrónicos en mi propia música, pero nunca tendrá la oportunidad de ir de lleno a lo electrónico como lo hacemos aquí.» comenta Ólafur Arnalds sobre el álbum. Un extraordinario álbum debut perfecto para escuchar tanto en casa durante una tarde lluviosa como en algún club. No es música clásica, ni música electrónica en su totalidad, pero cruza ambos géneros dándole una nueva identidad. Sin duda, uno de los proyectos más interesantes de la electrónica contemporánea y mi segundo álbum favorito del 2014. Mis favoritas: «Lit», «Held», «Looped», «Thrown», «Bent» y «Burnt».

1. Tycho
Awake
Ghostly International (US)

Lanzamiento: Marzo 18

Simplemente genial. Desde que Scott Hansen –aka Tycho/ISO50– publicó su tercer álbum en marzo del 2014 a través de Ghostly International, Awake, se convirtió en mi favorito del año. Un extraordinario álbum de electrónica instrumental y ambiental llena de finas texturas y sonidos ambient y downtempo de ensueño con elementos de un post-rock psicodélico y del shoegaze con chasquidos de dedos, gracias a las bellas y delicadas melodías de guitarras, al sonido de una batería en vivo, lineas de bajo y claras influencias de Mike Oldfield, Ulrich Schnauss, Boards of Canada, The Mercury Program y Alexandre Navarro, crean ondulantes paisajes sonoros que se extiende en el horizonte. Un sonido que resulta fácil de identificarse, como orgánico. El productor y diseñador gráfico californiano, lo desarrolló así, después de la gira del álbum Dive de 2011, a lado de Zac Brown en la guitarra y Rory O’Connor –aka Nitemoves– en la batería, sintiendo una energía diferente al tocar en vivo y tratar de transportar esa energía en el álbum, por lo que para la grabación de Awake, además de que Scott estuvo a cargo de todos los sonidos electrónicos, los sintetizadores analógicos y de software, la guitarra eléctrica y de los visuales que acompañan sus actos en vivo en formato de banda, creando un ambiente lleno de psicodelia con reminiscencias de los años ’70, contó por primera vez con una banda en el estudio, donde la hibridación de la experiencia creativa de la música electrónica con la energía dinámica de una actuación con instrumentos en vivo, haciendo evolucionar su proyecto musical y dándole una sensibilidad y una densidad más profunda a las 8 pistas de este excelente álbum el cual fue masterizado por Christopher Willits, con quien sigue de gira en su Awake World Tour alrededor del mundo, nuevamente con Zac Brown en la guitarra y bajo, Rory O’Connor en la batería y con Joe Davancens en el bajo, guitarra, teclados y sintetizadores. Gira que pasó por México en el festival Ceremonia el año pasado. Desde el primer track y single del álbum, «Awake», pasando por las más progresivas «Montana», «See» y «Spectre», tercer single en el que participó Reuben Wu –de Ladytron– junto a Scott en la realización de la portada del single, la bella «L»,  «Apogee» y las electro-acústicas «Dye» y «Plains», ésta última la más relajante con la que cierra el álbum, crean uno perfecto para un gratificante momento de chillin’ hasta de psicodelia. Si no han escuchado todavía este extraordinario material, les recomiendo conseguir la versión Deluxe que fue lanzado el 16 de diciembre, en el cual además de contar con las 8 pistas del álbum, incluye adicionalmente cuatro excelentes remixes hechos por Com Truise, Bibio, el dúo electrónico Beacon –que más que un remix, es un excelente rework– y por Christopher Willits, quienes le dan su toque personal a «Awake», «Spectre», «See» y «Montana», respectivamente. Awake, por mucho el mejor álbum del 2014. Mis favoritas: Todas.

Veremos que nuevos sonidos nos traerá este 2015, esperando con muchas ansias lo nuevo de Purity Ring quienes ya anunciaron el lanzamiento de su segundo álbum que llevará por título Another Eternity próximo a salir el 3 de marzo a través del sello 4AD, como también lo nuevo de Chvrches, quienes ya están trabajando en su segundo material, y espero que los de Ladytron hagan lo mismo.

¿Cuáles serán los próximos mejores álbumes del 2015? La pregunta está al aire.