Estamos a sólo dos días para que termine este 2015, un año que nos trajo mucha música nueva, por lo que me he tomado el tiempo de hacer por tercer año consecutivo, mi lista de los mejores lanzamientos del año.

Durante el año estuve muy clavado en lo que estuvo publicando el sello independiente londinense de música neoclásica, electrónica y avant-garde, Erased Tapes, que además se basa siempre de un buen diseño y arte. Dicho sello publicó durante el año muy buenos materiales por parte de varios de sus artistas: Nils Frahm, Michael Price, Dawn of Midi, Rival Consoles, la colaboración Ólafur Arnalds & Nils Frahm, Masayoshi Fujita, Kiasmos y Lubomyr Melnyk. Y no es coincidencia que algunos de estos lanzamientos estén entre los primeros puestos de mi lista, aunque no haya agregado todos. Por lo que este año mi sello favorito es Erased Tapes, el Sello del Año.

Otros álbumes que también disfruté fueron los lanzados por Raster-Noton, como el volumen 3 de la serie Xerrox de Alva Noto, su trabajo más sensible e introspectivo y Cory Arcane de Kangding Ray. Los lanzados por Ghostly International, como el de Matrixxman, Heathered Pearls y Fort Romeau. El regreso de Colder con su álbum Many Colours, el álbum debut de Floating Points, Elaenia, el álbum colaborativo de Ólafur Arnalds & Alice Sara Ott, The Chopin Project, donde reinterpretan juntos obras del gran pianista polaco Frédéric Chopin, la banda sonora que hizo el mismo Ólafur Arnalds para la serie de televisión británica, Broadchurch, que le hizo ganar un premio en los BAFTA Awards el año pasado. Y el soundtrack recién lanzado de la nueva película del director mexicano Alejandro González Iñárritu, The Revenant, a cargo nada más y nada menos que de Alva Noto & Ryuichi Sakamoto, con música adicional de Bryce Messner. Álbumes que quedaron fuera de esta lista.

Esta vez fueron 20 álbumes mis favoritos. Cada uno de ellos merece estar en esta lista. Son aquellos que desde que fueron lanzados, no pude dejar de escucharlos. Un top que disfruté mucho de hacer y escribir. Pero además de compartir mis gustos musicales, espero que también sirva para descubrir música, aquella que no han escuchado y que recomiendo ampliamente.

Sin más, les comparto mi lista de los mejores álbumes del 2015:

20. Nils Frahm
Solo
Erased Tapes (DE)

Lanzamiento: Marzo 29

A finales del 2014 el pianista y compositor alemán Nils Frahm (a quien tuve la oportunidad de ver en vivo en MUTEK.MX 2012), tuvo el impulso de lanzar un álbum que había grabado hace algún tiempo después de haber lanzado el increíble Spaces (uno de los mejores álbumes del 2013), sin embargo, no encontraba una ocasión específica para hacerlo, por lo que decidió crear un día festivo que además de hacerlo sentir orgulloso, pudiera celebrarlo con el lanzamiento de este álbum y proclamó el Día del Piano. Una festividad única y especial que jamás se había realizado para celebrar tan mágico instrumento, hasta este 2015. El día asignado para esta celebración, será el día 88 de cada año (un número especial ya que el piano tiene 88 teclas), por lo que el primer Piano Day se llevó a cabo el 29 de marzo, el cual cualquiera pudo celebrar compartiendo vídeos, poemas, fotos, cualquier cosa que estuviera inspirado por este instrumento a través de las redes sociales. Las 8 piezas de solo piano de este álbum, fueron grabadas como una improvisación en una sola toma y sin overdubs, y se puede descargar gratuitamente desde el sitio web oficial dedicado a dicha celebración. También está disponible para su venta a través de iTunes y en los formatos físicos CD y vinilo, ya que también forma parte de un proyecto para financiar la construcción del piano más alto del mundo a cargo del constructor de pianos, David Klavins, el Klavins M450. Un prototipo de este instrumento fue utilizado por Frahm en la grabación de este álbum, explorando la belleza de los sonidos que produce, como el que escuchamos en las emotivas «Ode», «Some» y «Merry», pasando por un sonido más sólido en «Wall», los casi 11 minutos de cambios en «Immerse!» y su destreza en «Four Hands» que nos recuerda a su colega de sello, Lubomyr Melnyk. Lo que se recaude de las ventas físicas y de iTunes, será destinado al proyecto, aunque también cualquiera puede donar la cantidad que desee en la misma página web. La construcción del Klavins M450 tomará dos años y una vez terminado, se celebrará con un festival el próximo Día del Piano 2017 en Berlín. Según el sitio web se necesita recaudar 120,000 euros para la construcción del piano más grande y maravilloso que el mundo haya visto jamás. Más al respecto: www.pianoday.org Mis favoritas: «Ode», «Some», «Merry», «Wall» y «Four Hands».

19. Alessandro Cortini
Risveglio
Hospital Productions (IT)

Lanzamiento: Julio 24

He hablado mucho de Alessandro Cortini en este blog por tantos proyectos en los que se ha involucrado, desde tocar los sintetizadores en Nine Inch Nails, haber trabajado en la producción en los últimos dos álbumes de Ladytron y del álbum solista de su vocalista principal, Helen Marnie, sus diversos proyectos electrónicos como SONOIO, el cual vi en 2011 cuando abrió el concierto de Ladytron en México, hasta su reciente visita en la doceava edición del Festival Internacional de Creatividad Digital MUTEK.MX que se celebró el pasado mes de octubre, en donde presentó este nuevo material publicado a mitad de año en el sello Hospital Productions de Dominick Fernow, quien también se presentó esa misma noche bajo el nombre de Vatican Shadow. Alejándose de su synth-pop industrial de SONOIO y siguiendo con el ambient de su trilogía Forse y del álbum Sonno, en donde Cortini hace uso de un solo sintetizador, el Roland MC-202, en Risveglio, el italiano vuelve a hacer uso únicamente de este sintetizador analógico, pero además añade el Roland TB-303, creando en conjunto, envolventes capas ambientales y diversas texturas sonoras, las cuales fueron compuestas en habitaciones de hotel y grabadas en su estudio portátil durante la gira de Nine Inch Nails. Aquí, el MC-202 y el TB-303 son llevados por Cortini por territorios inhóspitos nunca antes explorados. Las secuencias repetitivas en «Stambecco», «La Sveglia» y «La Guardia» van in crescendo conforme estas avanzan dándoles mayor intensidad, los ecos fantasmales en «Rispetto», el silencio total y abrupto después de los primeros 30 segundos en «Dormiveglia», el profundo bass line del TB-303 en «La Meta», el sonido espectral en «Posso» y «Lotta», el dinamismo en «La Via» y «Ricadere» y la inclusión de una caja de ritmos TR-606 en una versión más «animada» de «La Sveglia», crean un álbum introspectivo, oscuro y un tanto psicodélico que bien podría acompañar una película vintage de terror y/o ciencia ficción como banda sonora. Los 11 tracks del álbum son paisajes sonoros que juegan con la imaginación, tal y como ocurrió durante su presentación en MUTEK. [ver vídeo] Sin duda, uno de los mejores actos del festival y uno de mis álbumes favoritos del año. Mis favoritas: «Stambecco», «La Sveglia», «La Meta», «La Via», «La Guardia» y «La Sveglia (Drum Version)».

18. Death Cab for Cutie
Kintsugi
Atlantic (US)

Lanzamiento: Marzo 31

Después de cuatro años de haber lanzado el Codes And Keys y de una pequeña pausa en la que el líder de la banda Benjamin Gibbard lanzó su álbum como solista Former Lives en 2012 y luego de una exitosa gira de reunión con The Postal Service (su increíble y famoso proyecto electrónico alterno) en 2013, la banda estadounidense Death Cab for Cutie (una de mis favoritas de indie rock que increíblemente nunca ha tocado en México), regresó este año con Kintsugi, su octavo álbum de estudio y el primero después de la partida del guitarrista y productor Chris Walla. El ahora trío nos ofrece un material con ese gran sonido que caracteriza a la banda, pero con más presencia de bases electrónicas, pads de batería y sintetizadores, creando un sonido ochentero casi bailable en algunos momentos, otros en los que las guitarras toman más fuerza y otros más melancólicos. El título del álbum se refiere a el arte japonés de reparar piezas de cerámica pegando los trozos con oro, lo que señala las cicatrices y embellece la pieza. Bajo esa filosofía, podemos saber la dirección que toma el álbum y tiene bastante sentido luego de la partida de Chris Walla de la banda y de la ruptura amorosa de Gibbard con la actriz y cantante Zooey Deschanel, por lo que el desamor es el principal protagonista en las letras. Si bien Kintsugi no supera otros trabajos anteriores de la banda como Narrow Stairs del 2008 (mi favorito de su discografía), si tiene los elementos suficientes que lo hacen estar nominado a Mejor Álbum Rock en los Grammy Awards. Un rock pop de calidad que coquetea con el dream pop y el folk acompañado por la inconfundible voz de Ben Gibbard. En septiembre publicaron en su cuenta de Soundcloud un excelente remix al tercer track del álbum,«The Ghosts of Beverly Drive» hecho por el diseñador gráfico y productor electrónico Tycho (a quien por fin vi en vivo este año) que nos recuerda inevitablemente a The Postal Service. Mis favoritas: «No Room In Frame», «Black Sun», «The Ghosts Of Beverly Drive», «Little Wanderer», «Everything’s A Ceiling» e «Ingenue».

17. Howling
Sacred Ground (Bonus Track Version)
Monkeytown (AU/DE)

Lanzamiento: Mayo 4

Howling es el proyecto de colaboración entre el vocalista y músico australiano instalado en Los Angeles, Ry X (del trío electrónico The Acid) y el productor electrónico Frank Wiedemann (del dúo alemán Âme), quienes después de haber lanzado su primer EP en 2012, por fin decidieron lanzar este año su álbum debut a través de Monkeytown Records (sello del dúo alemán Modeselektor) y Coulter Records (perteneciente al sello Ninja Tune). Sacred Ground fue uno de mis favoritos del año porque tiene ese sonido orgánico e híbrido entre indie rock y electrónica que podemos escuchar también en el álbum debut del otro proyecto de Ry X, The Acid, quienes publicaron su debut Liminal el año pasado, siendo uno de mis favoritos del 2014, pero podemos encontrar ciertas diferencias gracias a la gran aportación de Frank Wiedemann. Entre beats electrónicos, teclados, sintetizadores analógicos, delicados riffs de guitarra eléctrica y acústica, bajos densos y profundos y ese sello vocal distintivo de Ry X que nos recuerda por veces (lo vuelvo a decir) a Thom Yorke y a James Blake con algunas voces procesadas, crean esas atmósferas frías y oscuras que tienen ese algo que te hace cerrar los ojos y mover la cabeza y los pies. Todo esto acomodado muy bien en un álbum de 12 tracks, de los cuales, dos son interludios cortos que nos hacen sentir por unos segundos como si estuviéramos dentro de su estudio de grabación, dos son instrumentales y algunos otros tracks más largos que sobrepasan los 7 minutos, más un remix al primer single, «Signs» hecho por el dúo electrónico Matom incluido en la versión digital como bonus track. Más allá de comparar su sonido con el de The Acid, ambos músicos logran en este álbum un perfecto balance aportando cada quien lo suyo. Además traen uno de los mejores live acts incluido en la lista de los mejores live acts del 2015 según Resident Advisor. Una verdadera colaboración artística. Mis favoritas: «Signs», «Stole the Night», «X Machina», «Quartz», «Forest» y su track homónimo incluido en su EP del 2012, «Howling».

16. City Calm Down
In a Restless House
I Oh You (AU)

Lanzamiento: Noviembre 6

Este es uno de mis últimos descubrimientos musicales después de haber escuchado su single «Pavement» en internet desde mi móvil el año pasado, mismo que descargué de iTunes de esta nueva banda proveniente de Melbourne, Australia, e integrada por Jack Bourke (voz), Sam Mullally (teclados y sintetizadores), Jeremy Sonnenberg (bajo) y Lee Armstrong (batería). Dicho single me atrapó inmediatamente por esa mezcla de indie rock con secuencias electrónicas y sintetizadores ochenteros, acompañado de una gran voz muy a la Peter Murphy. Un gran sonido, lo que me hizo descargar por consiguiente, su EP Movements publicado en 2012. Tres años después de este EP y del single solitario del año pasado, el cuarteto por fin lanzó el mes pasado su tan esperado álbum debut, In a Restless House. Desde el tranquilo intro de menos de dos minutos, hasta el último track con el mismo nombre del álbum, hay demasiados ganchos. Los singles «Rabbit Run», «Wandering» y «Son» que han lanzado hasta el momento, junto a otros temas que sobresalen, como «Nowhere to Start» en la que podemos escuchar una voz femenina (Kerri Harvey) en sincronía con la del vocalista Jack Bourke, dándole un toque delicado y sutil envuelta por beats electrónicos provenientes del trip-hop y suaves líneas de la casi ausente guitarra eléctrica que podemos encontrar en el álbum, ya que son los teclados y sintetizadores los que sobresalen en el resto de los temas. Ese post-punk e indie rock melódico que se mezcla perfectamente con el pop y los sintetizadores que acompañan la profunda voz de Bourke en los 11 tracks del álbum, son en conjunto, un guiño al pasado que nos recuerda a Joy Division, New Order, U2 y más recientes a The Killers y Editors evidentemente, incluso hay momentos en que los sintetizadores suenan al synth-pop de Chvrches con quienes han compartido escenario en Australia. Un gran debut listo para ser escuchado por el mundo. Mis favoritas: «Border On Control», «Son», «Rabbit Run», «Wandering», «Your Fix», «Until I Get By» e «In a Restless House».

15. Reyno
Dualidad
Universal (MX)

Lanzamiento: Septiembre 25

Es evidente que el rock mexicano de protesta caducó hace muchos años, aquel que fuera enaltecido por grandes bandas que pusieron a México en el mapa en décadas pasadas, sin embargo, todavía existen algunas pocas bandas mexicanas que aún hacen rock en español de calidad, sin necesidad de abordar temas sociales. Una de ellas es Reyno, quienes debutaron el año pasado con el álbum Viaje por lo Eterno, uno de mis favoritos del 2014. Este año, luego de la salida de Sebastián Franco, quien tocaba el bajo en la banda, el vocalista y guitarrista Christian Jean y el baterista Pablo Cantú, publicaron su segundo material discográfico, en el cual exploran con un sonido distinto al de su debut. Con Dualidad, el ahora dúo ofrece un sonido mucho más maduro e introspectivo en el que amplifican todas las emociones, pero igual de sincero que su antecesor. Aquí, las letras de Christian son más universales e igual de románticas como en Viaje por lo Eterno, perfectas para dedicar a esa persona especial. Su melódica voz es acompañada por suaves y emotivos riffs de guitarras eléctricas y acústicas (a veces estas guitarras toman más fuerza en el álbum, cosa que también se agradece), por los bajos y por los beats de la batería de Pablo. También podemos escuchar pads de batería y teclados en este nuevo trabajo, creando un sonido más sólido. Un rock pop suave y contemporáneo de calidad con cierta influencia del rock clásico y progresivo de los años 70. Un crecimiento mayúsculo. El álbum fue producido en su totalidad y de manera independiente por estos dos multi-instrumentistas. Cada uno de los 12 temas del álbum tiene lo suyo, aunque curiosamente los temas más tranquilos son los que más me gustan, tal vez por esa carga emocional que tienen, en especial «No Olvidé», la mejor de uno de los mejores álbumes en español de este año el cual disfruto mejor escuchar en soledad. El pasado 20 de diciembre se presentaron en El Plaza Condesa con un lleno total, teniendo como invitados especiales a Rodrigo Guardiola de Zoé, Eduardo Limón de LeBaron, entre otros. Sin duda, una de las mejores bandas independientes de México que espero pronto ver en vivo. Mis favoritas: «Pacífico», «Dualidad», «Fluye», «No Olvidé», «Fórmula», «Cuatro Elementos» y «Me Desprendo».

14. Mikel Erentxun
Corazones
Warner (ES)

Lanzamiento: Marzo 17

Corazones es el noveno álbum de estudio de Mikel Erentxun, gran músico y compositor de San Sebastián, España, a quien he seguido desde su primer álbum en solitario, Naufragios de 1992. Corazones es hasta el momento, su álbum más personal en sus 30 años de carrera, ya que además de haberlo escrito en su totalidad y de haber tocado todos los instrumentos (guitarras, teclados, batería y bajos) acompañado por Paco Loco (quien co-produjo el álbum a lado de Mikel), surgió a causa de un problema de corazón que tuvo hace un par de años (de ahí el título del álbum), el cual fue grabado, mezclado y masterizado analógicamente, creando un álbum más imperfecto, más vivo, más orgánico, más visceral y más artesanal. Musicalmente, es un recorrido por todas sus influencias (Beatles, Wings, Dylan, Bowie), otro guiño al pasado, al rock clásico de los años 60 y 70 como su antecesor 24 Golpes de 2012 pero más poderoso y directo. Hay baladas románticas desde luego, pero la mayor parte del álbum es auténtico rock & roll con muchas guitarras distorsionadas, tal y como quería escuchar a Mikel y como pude verlo en vivo  (por segunda ocasión) a mitad de año en su primera visita a Puebla durante su gira Corazones Tour 2015 por México, pasando también por Tijuana, México D.F. y Guadalajara. Sin duda, otro de los mejores álbumes en español de este año y uno de los mejores trabajos de Mikel en toda su carrera. La edición digital incluye además de los 16 temas, dos maquetas acústicas como bonus tracks, uno de ellos del primer single «El Hombre Que Hay En Mí» que terminó con un sonido y un vídeo muy «Beatle» tocando arriba de una azotea. Curiosamente, a pesar de ser su álbum menos comercial de su amplia discografía, Corazones estuvo nominado a Mejor Álbum Rock en los Latin Grammy Awards. En octubre, Mikel lanzó el EP Corazón Salvaje con cuatro nuevos temas acordes a este sonido vintage. Y a principios de ese mismo mes, grabó un directo en el estudio Moon River en Santander ante 50 espectadores, en acústico y en solitario (sólo voz, guitarra y armónica), mismo que será lanzado en CD/DVD en 2016 bajo el nombre de A Corazón Abierto. Mis favoritas: «El Hombre Que Hay En Mí», «Corazones», «Ojos de Miel», «Un Corazón Llamado Muerte», «Dakota y Yo», «Vas a Cansarte de Mí», «Los Muros de Jerusalén», «Corazón y Huesos» y «Tú».

13. Nicolas Godin
Contrepoint
Because Music (FR)

Lanzamiento: Septiembre 18

Como buen seguidor del dúo electrónico francés Air, fue obligatorio escuchar este año Contrepoint, primer álbum en solitario de Nicolas Godin (la mitad de Air), quien se inspiró en cada una de las canciones por el trabajo de uno de los más grandes compositores de la historia, Bach y del pianista Glenn Gould. «Orca», la primera y corta pista que abre el álbum, está inspirada también por el rock progresivo y el sonido de 8 bits. En la segunda pista «Widerstehe doch der Sünde», el francés Thomas Mars (vocalista de la banda Phoenix) bajo su seudónimo de Gordon Tracks (a quien ya hemos escuchado en la fantástica «Playground Love» del score The Virgin Suicides del 2000 a cargo de Air), canta en alemán acompañado por la voz de Dorothée De Koon, quien al igual que Thomas Mars, es de ascendencia alemana. En «Club Nine», la batería, piano y bajo, crean una complaciente pieza de auténtico jazz, mientras que «Clara» hace lo mismo con un delicioso y relajante bossa nova acompañado por la voz de Marcelo Camelo, compositor, cantante, guitarrista y poeta brasileño. Una de las mejores del álbum. El extracto de una entrevista a Glenn Gould sampleada en la segunda mitad de «Glenn» suena como si la canción fuese parte de una escena cinematográfica, mientras que «Quei Due» una sensual voz recita un poema en italiano. Lo más chill out del álbum. La multifacética de más de 7 minutos de duración «Bach Off», tiene tanto elementos del avant-garde jazz como del rock progresivo y psicodélico de los años 70, muy cercano a «Dead Bodies» del The Virgin Suicides. El álbum cierra con «Elfe Man», una corta canción de cuna orquestal. Las 8 pistas están elaboradas con tanto detalle y de una forma que bien podrían ser el soundtrack de una película. Incluso sin Jean-Benoît Duncker (la otra mitad de Air, quien se encuentra trabajando también en otros proyectos), el álbum sigue teniendo ese sonido distintivo del dúo y no es para menos. Recientemente el dúo colaboró en el nuevo álbum del legendario Jean-Michel Jarre de este año, en un tema que aborda toda la gama de instrumentación electrónica, desde los primeros osciladores hasta el iPad. En Contrepoint, Nicolas Godin combina perfectamente el jazz, el rock y la electrónica. Mis favoritas: «Widerstehe doch der Sünde», «Club Nine», «Clara», «Quei Due» y «Bach Off».

12. Vessels
Dilate
Bias (UK)

Lanzamiento: Marzo 2

Con un estilo similar al de Modeselektor pero más orgánico gracias a los elementos que incorpora este quinteto experimentalista de Leeds, Inglaterra, como la batería, la guitarra eléctrica, el bajo y demás percusiones que se fusionan con sonidos electrónicos, acercándose más al sonido en vivo de Caribou y al techno orgánico de los tríos Elektro Guzzi y Dark Sky, Vessels nos ha dado otro de los mejores álbumes del año, Dilate, su tercer LP. Un atractivo y alucinante techno y post-rock experimental lleno de sintetizadores, guitarras y percusiones. «Vertical», el track que abre el álbum y «Echo In» tienen ese estilo Modeselektor, mientras que el segundo track, «Elliptic», que ya había sido publicada en formato EP en 2013 (el cual incluye un excelente cover a «Blue Clouds» del último álbum de Modeselektor, Monkeytown de 2011), las percusiones toman un gran protagonismo, sobre todo al final, siendo una de las maravillas del álbum. Entre esta mezcla rica en sonidos, nos encontramos también con voces femeninas, como la de Isolde Freeth-Hale en la más tranquila del álbum, «As You Are», que me recuerda demasiado a la de Deborah Anderson en el segundo álbum de Télépopmusik, Angel Milk del 2005. «Attica» es otra maravilla, su estructura y la conjunción de instrumentos, sobre todo por esa guitarra, bien podría ser la segunda parte de «Sayulita» de Apparat. Otra de las voces invitadas en el álbum es la de Snow Fox en «On Monos», un track que fue lanzado como descarga individual en 2014 y otra de las mejores de Dilate en una nueva y fantástica versión. La última parte del álbum conformada por «Glass Lake», «On Your Own Ten Toes» y el bonus track «Beautiful You Me» incluida en la edición digital, son otros grandes aciertos de este gran álbum que aunque suena a muchas otras cosas, mantiene un sello y un sonido característico que te hace mover el cuerpo inevitablemente. Espero vengan en algún momento a México, tal vez en un MUTEK sería lo más idóneo. No tengo la menor duda de que en vivo suenan increíbles. En su cuenta de SoundCloud y Bandcamp pueden escuchar y descargar gratis un remix que le hicieron al tema «Says» de Nils Frahm bastante recomendable. Mis favoritas: «Elliptic», «Echo In», «Attica», «On Monos (feat. Snow Fox)» y el bonus track «Beautiful You Me».

11. Health
Death Magic
Loma Vista (US)

Lanzamiento: Agosto 7

Death Magic es el tercer álbum de studio de la banda de noise rock originaria de Los Angeles, California, Health, integrada por Jake Duzsik (voz y guitarra), John Famiglietti (bajo eléctrico), Jupiter Keyes (guitarra) y Benjamin Jared Miller (batería), otro de mis últimos descubrimientos musicales quienes luego de seis años de haber publicado su segundo álbum Get Color, regresaron con uno de los mejores álbumes del año lanzado por el sello Loma Vista Recordings, en el que la intensidad del noise rock se mezcla con sonidos ambientales, electrónicos e industriales creando su propio sello particular. Conformado por 12 tracks, el álbum abre con el intro «Victim» que nos transporta a una escena de suspenso de algún filme de horror de los años 80 para después golpearnos repentinamente con «Stonefist» que define el sonido del álbum gracias a esas capas densas de sintetizadores, poderosos beats y la luminosa voz del vocalista de la banda Jake Duzsik que me hace recordar a Neil Tennant de los Pet Shop Boys en todo el álbum, sumergiéndonos en un pop y noise electrónico industrial difícil de ignorar. La batería salvaje inspirada en el black metal y los sonidos industriales que aparecen en «Men Today», «Courtship II» y «Salvia» son claros ejemplos de lo intenso que puede llegar a ser el sonido del cuarteto californiano, sobre todo en «Salvia» en donde unos poderosos blast beats de batería retumban por doquier. Pero dentro de todo ese caos sonoro también encontramos momentos más pop como en «Dark Enough» que a pesar del título es una de las piezas más luminosas del álbum, al igual que «Life» y «L.A. Looks» que podrían sonar bastante bien en cualquier pista de baile, mientras que «Flesh World (UK)» y «New Coke» son una perfecta combinación de los dos mundos. Por último, «Hurt Yourself» y «Drugs Exist» resultan ser los temas pop más oscuros que cierran el álbum de esta excelente banda que recientemente lanzaron un gran remix al tema «Begin Again» del nuevo álbum de Purity Ring, Another Eternity. Ambiental, ruidoso y sedoso, así es Death Magic, un gran álbum difícil de etiquetar. Mis favoritas: «Stonefist», «Men Today», «Flesh World (UK)», «Dark Enough», «Life» y «L.A. Looks».

10. Braids
Deep In the Iris
Arbutus (CA)

Lanzamiento: Abril 28

Con dos álbumes de estudio, Native Speaker (nominado para el prestigioso Polaris Music Prize en 2011) y Flourish // Perish (uno de mis favoritos del 2013), el trío de art-rock descendiente del trip-hop con sede en Montreal, Canadá, Braids, regresó este año con su tercer material de larga duración, Deep In the Iris, el cual fue nominado nuevamente para el Polaris Music Prize de este año. Y no es para menos, la versátil voz de Raphaelle Sandell-Preston (vocalista también de Blue Hawaii) llena de encanto melódico y la instrumentación de sus dos compañeros Austin Tufts y Taylor Smith, pone de relieve la melancolía agridulce con patrones hipnóticos de percusión y sintetizadores, creando un álbum más natural, más emocional y con más brillo que su antecesor Flourish // Perish, alejándose un poco de los procesos digitales y optando en su lugar por una mezcla más orgánica gracias a las percusiones, las suaves guitarras eléctricas pero sobre todo, al piano que acompaña los 9 tracks del álbum dándole una mayor sensibilidad a las letras de Sandell-Preston, quien el año pasado colaboró con Jon Hopkins en la nueva versión de «Form By Firelight» de su aclamado álbum Immunity de 2013, incluida en su EP Asleep Versions, al igual que en el álbum debut de Max Cooper, Human, (curiosamente ambos materiales son algunos de mis favoritos del año pasado). «Miniskirt», el primer single de este tercer material de Braids puede definir perfectamente el álbum, aunque también hay otros temas que sobresalen como la que abre el álbum «Letting Go», el breakbeat de «Blonde», la electrónica de dancefloor hipnotizante de «Sore Eyes» (que tiene un sintetizador que suena casi idéntico al de «Throw» de Kiasmos), o el post-rock de «Taste» y «Warm Like Summer», sin olvidar «Bunny Rose» y las tranquilas «Happy When» y «Getting Tired» que bien podrían considerarse canciones de cuna. En Deep In the Iris los ganchos son sutiles, pero enormes. Sin duda, otro gran trabajo de este excelente trío quienes fueron invitados por sus compatriotas de Purity Ring para acompañarlos en su gira por Estados Unidos y su natal Canadá durante los meses de mayo y junio de este año, presentando sus respectivos nuevos materiales. Afortunados aquellos que pudieron ver en una misma noche y sobre el mismo escenario a Braids y Purity Ring. Mis favoritas: «Letting Go», «Taste», «Blonde», «Miniskirt», «Sore Eyes» y «Warm Like Summer».

9. The Green Kingdom
Loveliveson – EP
DISQ AN (US)

Lanzamiento: Abril 24

The Green Kingdom es Michael Cottone, un diseñador gráfico y artista sonoro con sede en Michigan, Estados Unidos y uno de mis artistas favoritos de música ambient desde hace varios años. Sus composiciones desdibujan la línea entre el paisaje sonoro y la estructura, utilizando una variedad de fuentes acústicas y electrónicas procesadas, texturas sampleadas y grabaciones de campo. Desde 2006 ha publicado álbumes y EPs en diferentes sellos y netlabels, como en el extinto sello independiente francés SEM que dirigían Alexandre Navarro y Sasa Vojvodic (Letna), el cual le dediqué un post completo en este blog hace poco más de 5 años hablando del mismo. Aquí el post. Sello en el que editó su álbum homónimo en 2007. Este año, The Green Kingdom publicó dos EPs, Loveliveson y Vapor Sequences, el primero en el nuevo sello DISQ AN que creó Alexandre Navarro tras la desaparición de SEM label en 2014 y el segundo publicado dos meses después a través del sello Dewtone, el cual también escribí sobre él cuando sólo era una estación de radio por internet en aquel entonces. Aquí el otro post. Loveliveson me gusta más, en este, Cottone implementa más beats electrónicos de lo habitual que se mezclan con su sonido ambient y experimental que lo caracteriza desde su  del 2007 editado en SEM o cualquier otro de sus trabajos. Las cinco pistas que lo conforman están llenas de una cautivadora electrónica drone-ambiental, glitches a la Alva Noto y cristalinas melodías de guitarra electro-acústica que por momentos van más orientadas al post-rock. ¡Una maravilla! Este EP es el número 004 y el último del catálogo de DISQ AN (hasta el momento) que adquirí en iTunes (el primero fue publicado por el mismo Alexandre Navarro bajo el nombre de AN, siendo otro más de mis favoritos del año pasado), fue masterizado por Navarro y el artwork minimalista estuvo a cargo del diseñador gráfico de Hamburgo, Markus Schäfer (Büro Ink) como es costumbre desde que formaba parte de SEM label. Aunque no sea un álbum como tal, fue uno de los materiales que más me gustaron este año. Actualmente, Loveliveson ya no se encuentra disponible en iTunes y se han agotado todas las copias físicas, pero está disponible en streaming a través del Bandcamp de DISQ AN. Mis favoritas: «The Surface», «The Waking Haze» y «Ascension».

8. Rival Consoles
Odyssey / Sonne (Bonus Track Version)
Erased Tapes (UK)

Lanzamiento: Mayo 7

Ryan Lee West, mejor conocido como Rival Consoles (primer artista firmado por Erased Tapes), fue otro de los artistas que nos visitó en octubre durante la doceava edición del festival MUTEK.MX, como parte de su gira de promoción de su nuevo álbum Howl, álbum del cual hablaré más adelante, o mejor dicho más abajo. Este álbum fue lanzado en la primera mitad de este año y compila sus últimos dos EPs: Odyssey y Sonne lanzados originalmente en 2013 y 2014 respectivamente, pero además de reunir los 11 tracks en total de estos EPs, como las grandiosas «Odyssey», «Voyager», «Helios», «Recovery» y «Soul», misma que contiene un sampleo de la voz gospel de su compañero de sello, Peter Broderick, extraído del track «Proponed Solution To The Mystery Of The Soul» del álbum These Walls Of Mine de Broderick de 2012, creando un excelente mash-up incluido como bonus track en esta edición, adicionalmente incluye también como bonus track únicamente en la edición digital, un remix de 7 minutos y medio al track «Recovery» hecho por la banda Vessels muy a su estilo. Los tracks siguen el sonido de sus álbumes anteriores de larga duración puramente electrónicos, IO de 2009 y Kid Velo de 2011, pero últimamente, el británico ha empleado otros elementos, creando un IDM más atmosférico. Los sintetizadores analógicos crean capas oscuras y los beats electrónicos se mezclan perfectamente con patrones de batería simples y con algunos riffs de guitarra acústica. Avant-garde de calidad. Algunos de estos temas sonaron increíbles en la Sala A del Foto Museo Cuatro Caminos en la reciente edición de MUTEK.MX, como la fantástica «Odyssey» [ver vídeo] y «Helios» [ver vídeo] entre otras, que fueron acompañadas por extraordinarios visuales y una increíble escenografía a cargo de los artistas visuales canadienses Alexis Laurence y Jean-Sébastien Baillat. Vale mucho la pena tener estos EPs reunidos en un mismo álbum, además de un excelente remix de Vessels. Uno de los álbumes que más escuché este 2015, por lo que no debe faltar en esta lista, aunque en su mayor parte no sea música nueva en sí. Mis favoritas: «Odyssey», «Voyager», «3 Chords», «Helios», «Think Tank», «Recovery», «Recovery (Vessels Remix)» y «Soul (feat. Peter Broderick)».

7. Lubomyr Melnyk
Rivers and Streams
Erased Tapes (UA)

Lanzamiento: Noviembre 27

El pianista y compositor ucraniano de 67 años, Lubomyr Melnyk, pionero de la «música continua», una técnica de piano que ha desarrollado y dominado desde su álbum debut de 1978, KMH: Piano Music in the Continuos Mode (el primer ejemplo registrado de música continua), considerado también como el pianista más rápido del mundo por ser capaz de mantener una velocidad de más de 19,5 notas por segundo en cada mano al mismo tiempo estableciendo un récord mundial, nos ha cautivado a finales de este año con Rivers and Streams, su tercera publicación para el sello Erased Tapes, luego del mini álbum Corollaries de 2013 y del EP Evertina publicado a finales del 2014. Rivers and Streams está inspirado por una conexión profunda con el agua, al punto de que la música en sí comienza a encarnar su forma líquida. Desde «Parasol», la primera pieza larga que abre el álbum podemos escuchar claramente la técnica que caracteriza a este gran maestro en su máxima expresión. La segunda, «The Pool of Memories» fue grabada en vivo en una iglesia de Londres, mientras que en «Sunshimmers» y «Ripples in a Water Scene», los arreglos de Melnyk son acompañados por una guitarra acústica a cargo del compositor con sede en Londres, Jamie Perera, quien de hecho co-produce el álbum junto a Robert Raths (fundador de Erased Tapes). La última parte del álbum consiste en un ejercicio dedicado al río más largo, caudaloso, ancho y profundo del mundo, el río Amazonas, dividido en dos partes unidas entre sí: «The Amazon: The Highlands» y «The Amazon: The Lowlands», en las que la flauta de la coreana Hyelim Kim (quien a colaborado también con Nils Frahm), acompaña las rápidas notas de piano de Melnyk. La ejecución en cada una de las seis piezas de este álbum es igual de asombrosa a la de sus anteriores trabajos para el sello, pero acompañado por nuevos elementos. La mayoría de los temas sobrepasan los 10 minutos de duración y basta con cerrar los ojos para perderse en ellos. Sin duda, un hermoso e hipnótico álbum de uno de los más innovadores y fascinantes pianistas contemporáneos. Gracias a Robert Raths por traernos a través de Erased Tapes a tan virtuoso pianista y compositor. Mis favoritas: «Parasol», «Sunshimmers», «Ripples in a Water Scene» y el combo de «The Amazon«.

6. Ólafur Arnalds & Nils Frahm
Collaborative Works
Erased Tapes (IS/DE)

Lanzamiento: Octubre 30

El islandés Ólafur Arnalds y el alemán Nils Frahm, son otros de mis pianistas y compositores favoritos de música neoclásica y avant-garde. Cada uno ha publicado grandes trabajos, tanto en solitario como en colaboraciones, además de hacer soundtracks para películas y series de televisión, individualmente. Por ello, esta colección que reúne sus trabajos en colaboración que han publicado en el sello Erased Tapes a través de los años, es uno de los mejores lanzamientos del año. El álbum compilatorio abre con las tres piezas del EP Stare, su primera colaboración de estudio que grabaron en 2011 entre Reykjavík y Berlín lanzado en 2012, en donde podemos escuchar claramente la suma creativa de Arnalds y Frahm en ejecución empleando una gama de pianos y sintetizadores con la colaboración adicional de la violonchelista Anne Müller en la tercera y más larga pieza. Después siguen dos delicadas y sensibles piezas de improvisación en vivo interpretadas únicamente con dos pianos por el dúo, grabadas en el estudio de Frahm en Berlín en octubre de 2012 e incluidas en el single Life Story Love And Glory, que publicaron en septiembre de este año. La parte más emocional. Las siguientes cinco pistas son tomados del EP Loon, que grabaron en otoño de 2014 y lanzado recientemente en octubre, en las cuales continúan con los sonidos ambientales de Stare, pero con la adición de más elementos de percusión e influencias dub, creando un sonido más synth-heavy bastante oscuro con algunos glitches y beats que te hacen mover la cabeza. Además de compilar estos tres EPs, el álbum incluye adicionalmente siete pistas tomadas de Trance Frendz – An evening with Ólafur Arnalds and Nils Frahm, una sesión de improvisación grabada el 28 de julio de 2015 en el estudio de Frahm en Berlín y documentada por la lente de Alexander Schneider que muestra y narra la amistad y el proceso creativo de estos dos grandes, quienes recuerdan que su amistad y colaboración originalmente comenzó de esa manera, con la improvisación en vivo. Dicho documental lo pueden ver completo aquí: arnaldsfrahm.com Ya sea escuchar los EPs por separado o este CD doble, son sin duda, una gran colección de una de las mejores colaboraciones. Mis favoritas: Todas las pistas que conforman los EPs Stare y Loon.

5. Purity Ring
Another Eternity
4AD (CA)

Lanzamiento: Marzo 3

«Future pop» es como Purity Ring define su sonido tras el lanzamiento de su primer álbum, Shrines de 2012. Un excelente álbum que combina el witch-house con el R&B contemporáneo producido por el instrumentista Corin Roddick acompañado por la dulce voz de Megan James (otra de las vocalistas que ha colaborado con Jon Hopkins). Sonido que los ha posicionado como uno de los mejores dúos de pop electrónico de los últimos tres años. Bien, pues este año el dúo canadiense regresó (como lo habían anunciado a principios de enero) con su tan esperado segundo álbum, Another Eternity, el cual se aleja un poco de ese synth-pop claroscuro de su debut Shrines, ofreciéndonos esta vez un sonido mucho más pop y menos introspectivo, con mucho más auto-tune y toques de ese dubstep y EDM comercial sonando un poco más mainstream por supuesto, cosa que para algunos no guste tanto, aunque a otros si. Y es que, ¿quién se puede resistir a la voz de Megan James? En Another Eternity, siguen sonando a ese pop futurista que los caracteriza, desde la primera pista que abre el álbum, «Heartsigh» (la cual acaban de lanzar su vídeo oficial), la pegajosa «Bodyache», pasando por los primeros singles que se desprendieron del álbum, «Push Pull’  y «Begin Again», al igual que en «Flood On the Floor», «Sea Castle» y el resto de los temas que lamentablemente no logran engancharme por completo, tal vez por lo mencionado anteriormente, sin embargo, sigue siendo un buen álbum que cumple con su cometido. Los sonidos ambientales y etéreos junto con los bajos profundos y las secuencias minimalistas de Corin, se funden perfectamente con la ya inconfundible voz de Megan, creando pegajosas melodías que resultan mucho más bailables. Sin duda, uno de los álbumes más esperados de este 2015 como ya decía y otro de los que más escuché durante el año desde que fue lanzado, aunque claro, Shrines sigue siendo mejor y mi favorito. Sigo con las mismas ganas de verlos en vivo como cuando los escuché por primera vez hace poco más de dos años y medio. Espero que regresen a México este 2016 (luego de su presentación debut en la primera edición del festival Ceremonia en 2013) con ese espectacular live act que traen en esta nueva gira de uno de mis proyectos favoritos de pop electrónico en la actualidad. Mis favoritas: «Heartsigh», «Bodyache», «Push Pull», «Begin Again», «Flood On the Floor» y «Sea Castle».

4. Kiasmos
Swept – EP
Erased Tapes (IS)

Lanzamiento: Noviembre 20

Kiasmos es otro gran proyecto en colaboración del galardonado Ólafur Arnalds a lado de Janus Rasmussen. El proyecto con sede en Reykjavík, Islandia, combina a la perfección el clasicismo y el trabajo acústico de Arnalds con el electropop sintético de Rasmussen, creando un sonido híbrido de música neoclásica con un techno minimalista de vanguardia, en el que coexiste lo mejor de estos dos mundos. Sin duda, un nuevo e innovador sonido que disfrutamos el año pasado con su fascinante álbum debut lanzado por Erased Tapes, el cual tiene el segundo puesto de mi top 25 de los mejores del 2014. A raíz del lanzamiento del EP Looped que cuenta con remixes de Dauwd y Lubomyr Melnyk con motivo del Record Store Day 2015, y del single «Swept» que lanzaron también en la primera mitad del año, fue el indicio de que el dúo islandés seguía trabajando en cosas nuevas. Pero fue en noviembre cuando lanzaron a mitad de su gira, este nuevo EP de cuatro tracks, reafirmando que el proyecto es más que un pasatiempo, con lo cual no podría estar más contento, ya que este EP podría ser el preámbulo para su segundo álbum. Swept EP es sorprendente, fascinante, cautivador y estimulante, al igual que su álbum debut. En estos tres nuevos tracks, podemos escuchar esa magnífica conjunción de ideas entre Ólafur Arnalds y Janus Rasmussen, en las que los elementos acústicos como los sutiles acordes de piano de Arnalds, los instrumentos de cuerda, las percusiones y los platillos de batería se unen en perfecta armonía con los elementos electrónicos, los beats, los bajos profundos y los sintetizadores. «Gaunt», la segunda pista del EP, cuenta con un gran vídeo animado realizado por Máni Sigfússon, bastante bueno [ver vídeo]. Adicionalmente a estos tres tracks, incluye un remix de 7 minutos de duración al single «Swept» hecho por el dúo italiano con sede en Berlín, Tale of Us (otro de los artistas que pude ver este año en MUTEK.MX) manteniendo algunos elementos de la versión original para ser envueltos por su techno con texturas house listo para cualquier pista de baile. Otro estupendo EP de este año de otra extraordinaria colaboración que anhelo ver pronto en vivo en nuestro país. Mis favoritas: «Drawn», «Gaunt» y «Swept».

3. Rival Consoles
Howl
Erased Tapes (UK)

Lanzamiento: Octubre 16

Howl es el tercer álbum del productor británico, Ryan Lee West como Rival Consoles para Erased Tapes (segunda aparición en esta lista y con razón), en el que continúa explorando con sonidos electrónicos, sintetizadores analógicos e instrumentos acústicos como en sus últimos y ya mencionados EPs, Odyssey y Sonne, pero llevado a otro nivel. En estas 9 composiciones que componen Howl, West utilizó prácticamente un solo sintetizador, el Prophet 8 y varios pedales de guitarra. Adicionalmente, contó con la ayuda en algunas de estas composiciones del baterista Fabian Prynne y del violonchelista Peter Greyson (ambos colaboradores de mucho tiempo de sus compañeros de sello, Douglas Dare y Michael Price) en búsqueda de humanizar la música electrónica por medio de elementos acústicos y darle una identidad propia a su música, cosa que ha logrado. Un claro ejemplo de esta evolución la podemos escuchar en el track que abre y le da nombre al álbum, en donde también se percibe una estructura muy similar a la de «Open Eye Signal» de Jon Hopkins. Continuando con «Ghosting», «Afterglow» y «Pre», los tracks más ad hoc para el dancefloor, aunque el resto es igual de bueno, como la delicada y a su vez poderosa «Walls», en la que las percusiones y platillos de batería contrastan con los sintetizadores, como también lo hacen en «Low», que está orientada más al jazz. Otro de los pocos elementos que emplea West en este álbum, es su propia voz que modificó con el sintetizador/vocoder MicroKORG en «3 Laments» y en «Morning Vox», en donde además toca la guitarra acústica, mientras que en «Looping», el track que cierra el álbum, reaparecen los delay de guitarra eléctrica. La música de Rival Consoles explora los territorios por lo que navegan Jon Hopkins, James Holden y su colega de sello, Nils Frahm, empleando un balance de sonidos análogos, acústicos y digitales. Su set audiovisual en la pasada edición de MUTEK.MX 2015, en donde presentó varios de estos nuevos tracks abriendo con «Walls» [ver vídeo] fue espectacular. Para mi, lo mejor de esa primera noche de actividades del festival en el Foto Museo Cuatro Caminos. Howl es, sin duda, uno de los mejores álbumes de música electrónica del año, por ello ocupa el tercer lugar en mi lista. Mis favoritas: «Howl», «Ghosting», «Afterglow», «Pre», «Walls» y «Low».

2. CHVRCHES
Every Open Eye (Special Edition)
Glassnote (UK)

Lanzamiento: Septiembre 25

¡El trío escocés de synth-pop lo volvió a hacer! Después de haber sorprendido al mundo con su álbum debut y uno de los mejores del 2013, The Bones of What You Believe y luego de una extensa gira alrededor del mundo pisando los escenarios más grandes de los festivales más importantes del mundo, Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty, quienes nunca han descansado, nos han vuelto a sorprender con su segundo álbum que había esperado con muchas ansias este 2015. Con una clara referencia al álbum de 1983, Power, Corruption & Lies de New Order en la portada, Every Open Eye conserva ese synth-pop ochentero y moderno a su vez de su álbum debut, pero en esta segunda entrega los escoceses experimentan con un pop más luminoso creando canciones más potentes, debido en gran parte, además de los sintetizadores analógicos y los loops digitales de Iain Cook y Martin Doherty, a la fantástica voz de (mi crush), la hermosa Lauren Mayberry, quien le da más fuerza a los temas lírica y vocalmente. Una clara prueba de ello son los dos primeros singles, «Leave a Trace» y «Never Ending Circles», aunque son «Keep You On My Side» y «Bury It» las más enérgicas de todo el álbum, sin excluir ese clímax instrumental en «Clearest Blue» claramente inspirado por la clásica «Just Can’t Get Enough» de Depeche Mode. «Make Them Gold», «Empty Threat» y «Playing Dead» no se quedan atrás. Y al igual que en The Bones of What You Believe, Martin Doherty vuelve a ser la voz principal en dos temas, la bailable y pegadiza «High Enough to Carry You Over» y la tranquila «Follow You» que viene como bonus track en la edición especial digital, al igual que «Get Away», la cual ya había sido lanzado como single a finales del año pasado y «Bow Down», otra gran pista. En las 14 pistas de esta edición especial, excepto las dos en las que canta Martin, la tierna, dulce y poderosa voz de Lauren es como siempre irresistiblemente encantadora, en especial en la casi a cappella «Afterglow» (que bien pudo haber sido inspirada por «All the Way…» del tercer y mejor álbum de Ladytron, Witching Hour), «Down Side of Me» y el bonus track «Bow Down». Sin duda, uno de los mejores lanzamientos del año que no puedo dejar de escuchar y un gran segundo álbum (aunque The Bones of What You Believe sigue siendo mi favorito) de otra de mis bandas favoritas de pop electrónico de los últimos años, a quienes sigo anhelando ver en vivo pronto, preferentemente en un concierto propio y no en un festival masivo con un setlist bastante corto como ocurrió en el festival Corona Capital del 2014. 2016 tiene que ser el año. Mis favoritas: «Keep You On My Side», «Clearest Blue», «High Enough to Carry You Over», «Down Side of Me», «Playing Dead», «Bury It», «Afterglow» y los bonus tracks «Get Away» y «Bow Down».

1. Tame Impala
Currents
Modular (AU)

Lanzamiento: Julio 17

Este año Kevin Parker, el genio detrás de la banda australiana de rock psicodélico Tame Impala, sorprendió a muchos con Currents, su tercer álbum de estudio como Tame Impala, el cual fue escrito, grabado, producido y mezclado en su totalidad por él mismo además de haber tocado todos los instrumentos hasta los chasqueos de dedos que se escuchan en casi todo el álbum, arriesgando todo por un sonido nuevo que resulta tanto bailable como psicodélico. El resultado, un excelente álbum lleno de ritmos sólidos y melodías hipnóticas en donde los sintetizadores y las texturas electrónicas toman el lugar de las guitarras casi ausentes, pero conservando las estructuras y los elementos del rock clásico y psicodélico de los años 60 y 70 de sus principales influencias (Beatles, Pink Floyd, etc.) que caracterizan sus álbumes anteriores, Innerspeaker de 2010 y Lonerism de 2012, Currents no es la excepción, pero ofrece algo más. Las letras total y libremente expresivas giran en torno a la evolución de alguien que siente que está convirtiéndose en otra persona, hablando del propio Parker, quien deja en claro esa evolución. «Let It Happen», el primer single y pista que abre el álbum es un viaje espacial de casi 8 minutos de duración, en donde los teclados y sintetizadores se adueñan casi por completo del track, sumergiéndonos en un hipnótico pop psicodélico a partir del minuto 2’40» manteniéndonos así por los 5 minutos restantes, mientras estos pasan aparece de pronto la voz de Parker modificada por un vocoder hasta terminar con un coro y riffs de guitarra eléctrica. Toda una odisea. «Nangs», es un corto e introspectivo track que le da paso a «The Moment», otro track dominado por los teclados y los sonidos electrónicos y animada por los chasqueos de dedos de Parker. «Yes I’m Changing», es una bonita balada construida sobre una base de sintetizadores y una línea de bajo irresistible en donde Parker suena optimista, mientras que en «Eventually», otro de los singles, se lamenta. «Gossip», es la la única pista instrumental y la más corta del álbum. Un interludio que le da paso a la bailable «The Less I Know the Better», el último single y otra que tiene una de las mejores melodías vocales del álbum, además de contar con uno de los mejores vídeos del año, lleno de surrealismo, psicodelia, baile y escenas sexuales explícitas [ver vídeo]. En «Past Life» la voz distorsionada del multi-instrumentista relata un reencuentro inesperado con su ex novia y su intento por volver a llamarla, acompañada por un coro melódico, pero los ánimos suben poco a poco con la siguiente, «Disciples», tercer single que pudimos escuchar antes y otro track de menos de dos minutos, de lo más cercano al Lonerism. Le sigue la fantástica y melódica «‘Cause I’m a Man», la cual también cuenta con otro excelente vídeo totalmente animado [ver vídeo]. En la última parte nos encontramos con «Reality In Motion», «Love/Paranoia» y «New Person, Same Old Mistakes», la encargada de cerrar este gran álbum. Cada una de las 13 pistas de Currents son tan variables entre sí. No importa si son canciones psicodélicas largas, cortas o interludios instrumentales, cada una es esencial y conforman no sólo el mejor álbum de Tame Impala hasta la fecha, sino el mejor del año en mi opinión. Mis favoritas: «Let It Happen», «Nangs», «The Moment», «Yes I’m Changing», «Eventually», «The Less I Know the Better», «Past Life«, «Disciples» y «‘Cause I’m a Man».

2015, un año de mucha buena música, conciertos, experiencias y logros. Esperemos que el siguiente sea igual y mejor.

¡Feliz Año Nuevo 2016!