Después de mucho trabajo (afortunadamente) y poco tiempo libre, por fin he terminado de hacer por cuarto año consecutivo, mi top 20 de los mejores álbumes del año. Una lista que disfruté mucho de hacer, desentrañando cada uno de estos álbumes. Algunos quedaron fuera de esta lista, como lo nuevo de Radiohead, GoGo Penguin, Lubomyr Melnyk, Andy Scott, Machinedrum, Logan Takahashi, así como los debut de Nonkeen (proyecto alterno de Nils Frahm), Second Woman (proyecto alterno de Joshua Eustis de Telefon Tel Aviv en colaboración con Turk Dietrich de Belong), Starwalker (nuevo proyecto colaborativo entre el islandés Barði Jóhannsson y Jean-Benoît Dunckel del dúo electrónico francés Air), sin olvidar el mini álbum audiovisual de Ólafur Arnalds, Island Songs, el álbum de remixes de Max Richter, el segundo álbum de The Yearning, el soundtrack que hizo Clark para la serie de televisión The Last Panthers y el último material del productor francés Alexandre Navarro, quien me envío un código de regalo vía e-mail para descargarlo gratuitamente a través de Bandcamp. Otros buenos lanzamientos fueron los EPs de Com Truise, Nosaj Thing, Kamera, Kyoka, Braids y Kllo.

Además de mucha música nueva, 2016 también nos trajo buenos conciertos, por lo que antes de presentarles mi top 20 de los mejores lanzamientos del año, les comparto mi top 5 de los mejores conciertos a los que pude asistir durante el año:

1. Moderat @ Sala de Armas, CDMX
2. Chvrches @ El Plaza Condesa, CDMX
3. Travis @ Pepsi Center WTC, CDMX
4. Korn @ Pepsi Center WTC, CDMX
5. Tame Impala @ Palacio de los Deportes, CDMX

+ Mejor festival: MUTEK.MX 2016.

Sin más, les comparto mi top de los mejores sonidos del 2016:

20. Junior Boys
Big Black Coat
City Slang (CA)

Lanzamiento: Febrero 5

Uno de los regresos más sorpresivos del 2016 fue el del dúo electrónico canadiense Junior Boys, quienes después de cinco años de haber lanzado su cuarto álbum It’s All True y luego de haber trabajado cada uno en distintos proyectos musicales (por un lado, Jeremy Greenspan con bandas como Friendly Fires y la canadiense Jessy Lanza y por el otro, Matt Didemus en su proyecto DIVA), regresaron a la escena con su quinto álbum de estudio Big Black Coat editado por City Slang luego de dejar el sello Domino, en el que el dúo de Hamilton, Ontario, nos endulza los oídos con su característico pop electrónico, que desde hace más de una década nos han dado a través de su discografía. Si bien, este álbum no es el trabajo definitivo del dúo, ni mucho menos supera su aclamado segundo álbum So This Is Goodbye (mi favorito) lanzado hace 10 años, si es uno en el que el dúo sigue permaneciendo vigente y en el que podemos escuchar guiños al pasado, a la música electrónica y disco de los años 70 y 80 gracias a las distintas capas de sintetizadores que crean líneas de bajo, pasando por sonidos de vanguardia que junto a la voz melódica de Jeremy Greenspan da como resultado ese austero synth-pop, downtempo y techno minimalista que sólo Greenspan en colaboración con Didemus saben hacer. Los singles «Over It» y «Big Black Coat» con sus siete minutos de duración y las letras de Jeremy que exploran los límites emocionales de una relación amorosa esporádica, mezcladas con beats suaves, melodías sutiles y algunos riffs de guitarra eléctrica, hacen de los 11 tracks que conforman el álbum (incluyendo la reinversión al tema clásico de Bobby Caldwell, «What You Won’t Do For Love» de 1978), uno de los grandes regresos del año que algunos afortunados pudieron ver y escuchar en vivo en su reciente visita a México en octubre en el Lunario del Auditorio Nacional en la CDMX, así como en Monterrey y Guadalajara. Seis meses después de haber sido publicado este álbum, el dúo lanzó el EP Kiss Me All Night, con cuatro tracks que bien podrían ser incluidos en una nueva edición de este álbum. Mis favoritas: «Over It», «M & P», «What You Won’t Do For Love», «Baby Don’t Hurt Me» y «Big Black Coat».

19. Deftones
Gore
Reprise (US)

Lanzamiento: Abril 8

Han pasado más de 15 años desde la era dorada del nu metal, género que esta banda de Sacramento, California (a la que he visto ya dos veces en vivo), junto a Korn (quienes también lanzaron nuevo álbum), dieron origen a mediados de la década de los 90 y la banda liderada por Chino Moreno, lo sabe. Ese sonido propio que los ha llevado a tener una carrera exitosa y ser conocidos en todo el mundo, ha evolucionado a lo largo de los años y Gore, su octavo álbum de estudio, demuestra esa evolución. Luego de aquel séptimo álbum Koi No Yokan de 2012, Chino Moreno y compañía se metieron al estudio para preparar su sucesor y aunque en el proceso, el guitarrista de la banda, Stephen Carpenter, tuvo algunas indiferencias con Chino Moreno en el proceso de grabación del mismo, el álbum vio la luz a principios de abril de 2016. En él, los riffs pesados de Stephen Carpenter y los gritos de Chino Moreno carecen un poco, creando un sonido más ambiental y atmosférico influenciado por los proyectos alternos de Chino (Palms y Team Sleep) y por bandas como The Cure y Pink Floyd. «Prayers/Triangles» y «Hearts/Wires» son una muestra clara de ello, sin embargo, siguen manteniendo su sello característico. La batería de Abe Cunningham, el bajo de Sergio Vega que trata de llenar el lugar que dejó Chi Cheng luego de su lamentable muerte en 2013, las capas atmosféricas del DJ Frank Delgado, los riffs ásperos y poderosos de Stephen Carpenter, la voz melódica y gritos de Chino Moreno y la participación de Jerry Cantrell (guitarrista de Alice In Chains) en «Phantom Bride», hacen de Gore, un álbum que mezcla la belleza y el caos, la tranquilidad y la violencia, la luz y la oscuridad, aunque está muy lejos de superar al legendario White Pony (mi favorito) del año 2000. Algunas canciones de este nuevo álbum las presentaron en su reciente visita a México en el festival de Slipknot, el KnotFest, en su segunda edición mexicana a mediados de octubre. También es recomendable el fantástico remix que el productor electrónico Com Truise hizo a «Prayers/Triangles», aquí lo pueden escuchar. Mis favoritas: «Prayers/Triangles», «Doomed User», «Hearts/Wires», «Gore» y «Phantom Bride».

18. Samaris
Black Lights
One Little Indian (IS)

Lanzamiento: Junio 10

Desde las frías tierras de Reykjavík, Islandia, nos encontramos con este trío electrónico formado en 2011 por el productor electrónico Þórður Kári Steinþórsson, la clarinetista Áslaug Rún Magnúsdóttir y la cantante y multi-instrumentalista Jófríður Ákadóttir, con su tercer álbum de estudio Black Lights, el cual fue escrito y grabado en Berlín, Reykjavík e Irlanda. A diferencia de sus primeros dos álbumes, Samaris de 2013 y Silkidrangar de 2014 y luego de un año de trabajo en este nuevo material en diferentes partes de Europa, Black Lights es el primer álbum en el que el trío islandés decidió comenzar a escribir sus canciones en inglés en lugar de su idioma natal, movida que los ha hecho obtener una creciente audiencia internacional. El primer single «Wanted 2 Say» publicado en abril de 2016 y el segundo que le da nombre al álbum, el cual tiene ese mismo efecto vocal que la fantástica «Góða Tungl» del primer álbum homónimo, son la prueba de ello. Ahora con esta nueva táctica podemos entender mejor las letras poéticas que hablan sobre el amor, la vida, y lo confuso y complicado que es todo. Musicalmente, Black Lights puede ser una reminiscencia al sonido electrónico de la década de los 90 pero con un aire de actualidad y con menos clarinete que sus antecesores. Trip-hop, dub techno y downtempo que nos recuerda al sonido de sus compatriotas de GusGus y Björk gracias a los cantos profundos y frágiles de Jófríður Ákadóttir que son envueltos por las delicadas texturas ambientales de Þórður Kári Steinþórsson con toques de breakbeat e IDM, mismos que son acompañados en muchos momentos del álbum por voces flotantes y procesadas, y por el casi ausente clarinete de Áslaug Rún Magnúsdóttir. El resultado, un nuevo sonido que se adapta a un público mucho más amplio. Sin duda, el mejor trabajo de este excelente trío nórdico que espero pronto se presenten en México. Mis favoritas: «Wanted 2 Say», «Black Lights», «T3mp0», «3y3», «T4ngled» e «In Deep».

17. RY X
Dawn
Infectious (AU)

Lanzamiento: Mayo 6

Luego de tres años de haber publicado Berlin, un EP de 4 canciones y de lanzar dos producciones de larga duración con sus diversos proyectos alternos, Liminal de The Acid en 2014 y Sacred Ground de Howling en 2015, el cantante y músico australiano Ry Cuming, lanzó por fin su álbum debut como solista (años después de haber incursionado en el mundo de la música pop en 2010) bajo su seudónimo de RY X, quien con su voz cargada de melancolía, arreglos de cuerdas, elementos acústicos como la guitarra y el piano, y suaves capas de sonidos electrónicos y estructuras pop, nos ofrece uno de los mejores lanzamientos del 2016. Una mezcla de folk y R&B experimental que recorre los 12 tracks del álbum. El primer track, una corta pieza de música de cámara que abre y da título al álbum, sirve de intro para el resto del álbum, mientras las melancólicas «Salt», «Only», la fantástica «Sweat» y la ya conocida «Berlin» (incluida en su primer EP de 2013) no necesitan más que de una guitarra acústica y la extraordinaria voz de RY X para crear perfectas armonías folk, llegando al punto más alto de la catarsis en el tema «Beacon» gracias a la improvisación y experimentación en la batería y guitarra eléctrica. Los cortes más luminosos en donde RY X juega con los sintetizadores y algunas secuencias y beats electrónicos que nos recuerdan al sonido de sus dos proyectos, The Acid y Howling, las encontramos en las nuevas versiones de «Shortline» (otra de su EP Berlin), la acústica «Howling» (originalmente incluido en el álbum debut de Howling), al igual que en «Deliverance», «Haste» y «Hold Me Love» en donde coros fantasmales se hacen presentes, mientras «Lean» con sus 7 minutos y medio de duración y un in crescendo cierra a la perfección un gran álbum cargado de melancolía líquida y luminosidad basado en el minimalismo. Perfecto para escuchar durante una tarde gris y lluviosa. Mis favoritas: «Howling», «Deliverance», «Haste», «Hold Me Love», «Sweat» y «Lean».

16. Travis
Everything at Once (Deluxe)
Red Telephone Box (UK)

Lanzamiento: Abril 29

Otro gran regreso a los escenarios en 2016 fue el de la banda escocesa Travis, quienes luego de tres años de haber lanzado su séptima producción Where You Stand, regresaron en 2016 con la publicación de Everything at Once, su octavo álbum lanzado en su propio sello discográfico Red Telephone Box, que los hizo volver a pisar suelo mexicano con tres conciertos en el país, Monterrey, Guadalajara y la Ciudad de México, en donde pude verlos en vivo por primera vez a lado de la banda mexicana Reyno, quienes abrieron su concierto en el Pepsi Center WTC. Una noche llena de emociones a flor de piel y recuerdos que quedarán plasmados en el nuevo documental que la banda publicará pronto. Sin duda, uno de los mejores conciertos del año. Aquí mi reseña. Por eso Everything at Once fue uno de los álbumes que más escuché durante el año, y es que, con 20 años de larga trayectoria, Fran Healey y compañía se han consolidado como una de las mejores bandas de britpop. Temas como «What Will Come», que abre el álbum, la rockera «Radio Song», «Animals» escrita por el bajista de la banda Dougie Payne y las melancólicas «3 Miles High», «All of the Places» y «Strangers on a Train», muestran el sonido clásico de la banda, mientras «Magnificent Time»compuesta por Healy y Tim Rice-Oxley (de Keane) y «Everything at Once», otra escrita por Dougie, muestran el lado más alegre y eléctrico de los escoceses. Los arreglos de cuerdas en «Paralysed» y la participación de la inglesa de origen jamaicano y liberiano Josephine Oniyama que hace dueto con Fran Healey en «Idlewild», resaltan de entre la mayoría de las canciones. Everything at Once no es su peor ni mejor álbum, simplemente un álbum en el que consolidan su sonido, aunque por momentos parecen sonar a lo último de U2. La edición digital deluxe incluye dos versiones en vivo de las clásicas «Sing» y «Closer» grabadas en Japón como bonus tracks. Mis favoritas: «What Will Come», «Radio Song» «Animals», «Everything at Once», «3 Miles High», «All of the Places», «Strangers on a Train» y las versiones en vivo de «Sing» y «Closer», por supuesto.

15. Siddhartha
Únicos
Sony (MX)

Lanzamiento: Septiembre 23

Con tres álbumes en su haber, Why You? (2008), Náufrago (2011) y El Vuelo del Pez (2014), el músico y compositor mexicano proveniente de la ciudad de Guadalajara, Jorge Siddhartha González Ibarra, mejor conocido en el mundo de la escena independiente del rock nacional simplemente como Siddhartha, lanzó en septiembre su cuarto álbum en el que plasma una decena de melodías producidas por él mismo, junto con el argentino Didi Gutman, publicado por primera vez en una disquera transnacional. Un paso natural como dice el propio Siddhartha, quien fue en algún momento baterista de la banda mexicana Zoé. Sin embargo, al igual que sus producciones anteriores, Únicos, mismo que se gestó en alguna playa de Jalisco, es un trabajo bastante honesto y auténtico, en el que simples elementos como la batería, el bajo, algunos sintetizadores, delicados riffs de guitarras eléctricas y acústicas, y la característica voz del tapatío, bastan para crear sutiles melodías sumergiéndonos en un mundo nostálgico con letras más personales, metafóricas y emotivas, sin caer en lo cursi. En los primeros singles del álbum, «Tarde» y «Ser Parte», podemos escuchar ese sonido muy bien logrado, al igual que en «Una Noche Tranquila», la melancólica «A la Distancia» y «Únicos», en el que un ukelele es el instrumento principal, que suenan a próximos singles. Otras como «Camuflaje», «Cámara», la casi bailable «Tus Pupilas», «Imán» y el tema que cierra el álbum, «El Chico» con todo y ese final instrumental, conforman un gran álbum sin la necesidad de una súper producción, siendo éste y Náufrago, mis favoritos de este excelente músico orgullosamente mexicano, a quien tuve oportunidad de ver en vivo en Puebla en 2012 durante su gira de presentación de su segundo álbum, y quien junto a Reyno considero los mejores ejemplos de la calidad musical en la actual y escasa escena del rock nacional. Sin duda, haber salido de Zoé fue lo mejor que pudo haber hecho Siddhartha en su carrera. Mis favoritas: «Ser Parte», «Tarde», «Cámara», «Una Noche Tranquila», «Tus Pupilas», «A la Distancia» y «Únicos».

14. Jessy Lanza
Oh No
Hyperdub (CA)

Lanzamiento: Mayo 13

Luego de haber debutado en 2013 con el álbum Pull My Hair Back y de haber colaborado con Caribou en el track «Second Chance» en su álbum Our Love de 2014, la productora, compositora y cantante canadiense Jessy Lanza, publicó a mitad del 2016 su segundo álbum nuevamente bajo el sello Hyperdub (fundado por Kode9) Oh No, mismo que co-produjo nuevamente a lado a su compatriota Jeremy Greenspan (de Junior Boys), en el que nos cautiva con su fascinante voz de ensueño envuelta por un delicado synth-pop, soul y R&B futurista. La dulce y sensual voz de Jessy nos atrapa inmediatamente en la corta y delicada «New Ogi», misma que abre el álbum, mientras en «VV Violence» los ritmos van acelerando invitándonos a mover el cuerpo por inercia, mientras la canción avanza hasta alcanzar el clímax. «Never Enough» es otro de los mejores temas del álbum, en donde podemos escuchar claramente la gran aportación de Jeremy Greenspan en los sintetizadores y beats ochenteros muy a la Junior Boys. Los momentos más tranquilos del álbum llegan con «I Talk BB» en la que la suave voz de Jessy alcanza un timbre que nos pone la «piel de gallina», continuando con la juguetona «Going Somewhere». En «It Means I Love You», primer single y una de las mejores canciones de todo el 2016, la cantante de Hamilton, Ontario, sale de su zona de confort y experimenta con otros ritmos, sampleos y una voz procesada. Sin duda, una de las mejores de todo el álbum. «Vivica» es otro tranquilo track de R&B electrónico, mientras que los sintetizadores y los beats bailables toman protagonismo en «Oh No». Los últimos dos tracks que cierran el álbum «Begins» y «Could Be U» son dos canciones de cuna y en conjunto hacen uno de los mejores lanzamientos del año. No por nada este álbum fue nominado en los Polaris Music Prize 2016. Jessy Lanza se presentará por segunda ocasión en México este 18 de febrero en la quinta edición del Carnaval de Bahidorá 2017. Mis favoritas: «New Ogi», «VV Violence», «Never Enough», «I Talk BB», «It Means I Love You», «Vivica» y «Oh No».

13. Sepalcure
Folding Time
Hotflush (US)

Lanzamiento: Mayo 20

Cinco años después de haber lanzado su álbum debut homónimo, el dúo electrónico norteamericano formado por Travis Stewart (mejor conocido como Machinedrum) y Praveen Sharma (Braille), Sepalcure, (a quienes tuve la oportunidad de ver en vivo con visuales de la artista Sougwen Chung en la octava edición del festival MUTEK México en 2011 y quien se encargó nuevamente de la portada para este álbum), regresaron en 2016 con la publicación de su tan esperado segundo álbum Folding Time, lanzado nuevamente a través del sello germano Hotflush Recordings (propiedad de Scuba). Un excelente álbum de 11 tracks llenos de dubstep, UK garage, R&B, house y downtempo con voces sampleadas, bajos profundos, beats y percusiones penetrantes, sintetizadores sedosos y algunas guitarras acústicas. Aquí la parte vocal toma gran protagonismo a diferencia de su debut, un claro ejemplo es la cautivadora «Fight for Us», misma que abre el álbum, en la que la suave voz de la cantante canadiense Rochelle Jordan se funde con el downtempo, soul y R&B, que nos recuerda a artistas como Bonobo. La cosa se pone más animada con «Not Gonna Make It», en el que los sampleos vocales son simplemente otro elemento sonoro que funciona muy bien. Otra sensual voz (la de Angelica Bess) aparece en «Devil Inside» contrastando del resto del álbum. El sonido clásico de Sepalcure lo encontramos principalmente en temas como «No Honey», «Been so True» y «Hearts in Danger» con todo y esos patrones hip-hop y grime, mientras los bajos profundos de «Loosen Up» y la suave guitarra acústica al final del track la hacen una de las mejores del álbum. El dubstep puro en «Dub Of» nos demuestra nuevamente el sello característico del dúo. «Brother Forest» es otra de mis favoritas, ya que aquí el techno y el house se siente más directo, perfecta para el dancefloor. Antes de que se acabe el álbum nos encontramos con un corto interludio ambiental, introspectivo y oscuro que le da entrada al último track, «Ask Me» con más sampleos vocales. Un gran segundo álbum. Mis favoritas: «Fight for Us (feat. Rochelle Jordan)», «Not Gonna Make It», «Devil Inside (feat. Angelica Bess)», «No Honey», «Been so True», «Loosen Up» y «Brother Forest».

12. Max Cooper
Emergence
Mesh (UK)

Lanzamiento: Noviembre 25

Luego de dos años de haber lanzado su álbum debut Human, uno de los mejores lanzamientos del 2014, el DJ y productor irlandés con sede en Londres y con doctorado en Biología Computacional, Max Cooper, nos presentó antes de concluir el 2016 su segundo trabajo de larga duración lanzado en su propio sello Mesh. Un álbum en donde la ciencia y las artes visuales interactuan con el elegante IDM de Max Cooper y su constante mutación con el ambient, el techno y la neoclásica, acompañado por un nuevo e inmersivo espectáculo A/V en vivo con sonido 3D. Este segundo álbum cuenta con la colaboración del compositor y pianista londinense Tom Hodge (con quien ya había colaborado anteriormente) y la cantante Kathrin deBoer (quien le da voz a un par de tracks del primer álbum). Emergence abre con «Symmetry», en donde las suaves notas de piano de Tom Hodge, se fusionan con un órgano muy al estilo de Nonkeen (proyecto alterno de Nils Frahm) y el fino IDM de Max Cooper, mientras que en «Seed», Kathrin deBoer le pone su sello vocal característico como lo hace también en las ambientales «Order from Chaos», «Impermanence» y «Trust», en donde también colabora Tom Hodge, una de las mejores del álbum. «Waves» es probablemente mi favorita del álbum, aquí un fino techno se mezcla con el IDM, al igual que en «Distant Light», «Cyclic» y «Organa», las más idóneas para la pista de baile, mientras que «Myth» es una bella y delicada pieza de piano en manos de Tom Hodge. El ambient experimental de «Unbounded» y su profundo y oscuro sintetizador, cierran este segundo álbum en el que podemos escuchar claramente la gran influencia de Nils Frahm, Telefon Tel Aviv y Rival Consoles. De forma abstracta, Emergence narra la historia de las leyes y los procesos naturales, su belleza inherente y su acción para producir el universo, nosotros y el mundo en que vivimos. Sin duda, otro gran segundo álbum. Mis favoritas: «Symmetry (feat. Tom Hodge)», «Seed (feat. Kathrin deBoer)», «Waves», «Distant Light», «Myth (feat. Tom Hodge)», «Trust (feat. Tom Hodge & Kathrin deBoer)» y «Organa».

11. Murcof & Vanessa Wagner
Statea
InFiné (MX/FR)

Lanzamiento: Septiembre 23

Después de una improvisada actuación en directo en colaboración entre el productor minimalista mexicano Fernando Corona (conocido internacionalmente como Murcof) y la pianista clásica francesa Vanessa Wagner en La Carrière De Normandoux en Francia en 2010, y luego de publicar un EP en abril, Murcof y Wagner decidieron juntar nuevamente sus talentos para lanzar su primer álbum de larga duración a través del sello francés InFiné, en donde Murcof construye bucles y texturas sonoras que hacen eco al piano de Vanessa Wagner en tiempo real reversionando joyas clásicas de grandes artistas contemporáneos. Abriendo con una maravillosa versión de «In a Landscape» (escrita por el gran compositor John Cage), una pieza de más de 10 minutos que nos lleva por un viaje lleno de paisajes gélidos y bucólicos, mientras que en «Variations for the Healing of Arinushka» (escrita por el gran compositor estonio y precursor de la música minimalista, Arvo Pärt), el dúo mexicano-francés crea una de las mejores interpretaciones del álbum, sin excepción de «Avril 14th», una excelente versión de la frágil pieza de piano original de Aphex Twin. En «Musica Ricercata No. 2» (del compositor húngaro György Ligeti) el piano y la electrónica se complementan en una escala más grande y una nueva versión de «Gnossienne No. 3» (del compositor y pianista francés Erik Satie) da continuidad a los beats y glitches minimalistas de Murcof en «Piano Piece 1952» (del compositor norteamericano Morton Feldman) que encajan perfectamente con las suaves notas de piano de Wagner. En «Farewell, O World, O Earth» (del pianista y compositor ucraniano Valentyn Silvestrov), el canto barítono original es procesado por un vocoder. «China Gates» (escrita por el minimalista John Adams) y la cautivadora «Metamorphosis 2» (de otro de los grandes exponentes del minimalismo, Philip Glass) crean un álbum con interpretaciones únicas unidas entre sí, en donde la electrónica ambiental y la clásica contemporánea encuentran un equilibrio bellamente perfecto. Mis favoritas: «In a Landscape», «Variations for the Healing of Arinushka», «Avril 14th», «Piano Piece 1952», «Farewell, O World, O Earth» y «Metamorphosis 2».

10. Dillon
Live at Haus der Berliner Festspiele
BPitch Control (BR)

Lanzamiento: Septiembre 23

Live at Haus der Berliner Festspiele es el primer álbum en vivo de la joven cantante, compositora y pianista nacida en Brasil con sede actual en Berlín, Dominique Dillon de Byington, grabado en el Foreign Affairs Festival en Berlín en 2015 y editado por el sello BPitch Control (de Ellen Alien), en el que recorre los mejores temas de sus dos producciones discográficas, This Silence Kills de 2011 y The Unknown de 2014, acompañada por su compañero musical y productor electrónico alemán Tamer Fahri Özgönenc y por un coro de dieciséis mujeres bajo la dirección de Ralf Sochaczewsky dándole mayor misticismo a las canciones de la enigmática y bella cantante. Con «Nowhere», Dillon comienza a guiarnos por un viaje de subidas y bajadas mediante sus suaves notas de piano (como instrumento principal), su post-techno, su folktrónica y su característica y fantástica voz que eriza la piel. El final de «From One to Six Hundred Kilometers» es uno de los mejores momentos del álbum, mientras «A Matter of Time», la cual dedicada a su madre al inicio, llena de melancolía nuestros oídos, al igual que «You Cover Me». La maravillosa «You Are My Winter», el chasqueo de dedos en «Thirteen Thirtyfive», la extraordinaria «Your Flesh Against Mine» (mi favorita de su discografía), la divertida «Tip Tapping», en donde Dillon invita a cantar a su público el coro volviéndose partícipes de la misma, las melodías melancólicas y oscuras de «The Unknown», la versión extendida de «This Silence Kills», al igual que «Don’t Go», la ecléctica «Lightning Sparked» y la electrónica pura de «Abrupt Clarity» dan forma a un gran álbum en vivo de una de mis favoritas cantantes femeninas en la actualidad que espero pronto ver en México, aunque sólo faltó incluir la estremecedora y conmovedora «Undying Need to Scream» de su álbum debut. Mis favoritas: «Nowhere», «From One to Six Hundred Kilometers», «You Are My Winter», «Thirteen Thirtyfive», «Your Flesh Against Mine», «Tip Tapping», «The Unknown», «This Silence Kills» y «Abrupt Clarity».

9. Architects
All Our Gods Have Abandoned Us
Epitaph (UK)

Lanzamiento: Mayo 27

All Our Gods Have Abandoned Us es el séptimo álbum de estudio de la banda británica de mathcore y metalcore, Architects, aún con el guitarrista Tom Searle quien falleció en agosto de 2016 tras varios años de lucha contra el cáncer que padecía (R.I.P.). La banda actualmente conformada por el vocalista Sam Carter, el baterista Dan Searle, el guitarrista Adam Christianson y Alex Dean en el bajo son uno de mis últimos descubrimientos de un género que había dejado de lado. El álbum está cargado de potentes riffs de guitarras que se vuelven progresivas, un poderoso bajo, una batería muy pesada (sobre todo en las partes de doble pedal en el bombo), un sintetizador de fondo siempre presente con cambios a partes más electrónicas y la furiosa voz del vocalista dejando en claro la orientación de este álbum desde el primer segundo del track que abre el álbum, «Nihilist», el cual comienza con unos blast beats aplastantes y muy agresivos para después llegar a un coro melódico. Aunque la mayoría de los temas tienen la misma estructura, los primeros singles del álbum «Gone With the Wind» y «A Match Made In Heaven» destacan del resto por ese potente sonido con elementos electrónicos y una técnica (característico del género) que los integrantes de la banda ejecutan a la perfección, casi como había imaginado la evolución del nu metal. Pero entre toda esta agresividad y brutalidad absoluta encontramos también momentos suaves en la voz de Carter y más elementos electrónicos e instrumentales creando atmósferas oscuras, sobre todo en el tema de más de ocho minutos de duración que cierra el álbum, «Memento Mori», la cual está llena de diferentes matices saliéndose un poco de la línea general del álbum, pero a la vez conservando la esencia y el sonido de la banda. All Our Gods Have Abandoned Us es un álbum ambicioso, agresivo e impecable en potencia y en melodía con un sonido afilado y moderno. Un claro ejemplo de lo mejor del metal contemporáneo. Mis favoritas: «Nihilist», «Deathwish», «Gone With the Wind», «The Empty Hourglass», «A Match Made In Heaven», «Gravity» y «Memento Mori».

8. Bibio
A Mineral Love
Warp (UK)

Lanzamiento: Abril 1

El productor y músico británico Stephen Wilkinson editó en abril A Mineral Love, su séptimo álbum y el cuarto editado en el sello Warp Records bajo su seudónimo de Bibio, en el que su folktrónica escurre por los 13 temas que suenan a viejas grabaciones de los años 60, 70 y 80 bañados por un pop de ensueño, electrónica en clave IDM con algo de funk, R&B, nu disco e indie rock. Los sutiles riffs de guitarra eléctrica, las líneas de bajo y un ligero sintetizador que acompañan la suave voz de Bibio en la minimalista «Petals» que abre el álbum atrapan de inmediato desde la primera escucha, continuando con el pop delicado de «A Mineral Love», el folk británico de los años 60 que invade «Raxeira», el rock progresivo con la presencia de instrumentos de viento que hacen de «Town & Country» una de la mejores del álbum. El saxofón vuelve hacer acto de presencia en «Feeling», en donde un sintetizador evoca a los pioneros de estos instrumentos, mientras el pop progresivo de «The Way You Talk», en donde la voz del músico belga-australiano Gotye, crea una atmósfera bastante relajante. «With the Thought of Us» se torna en una electrónica bailable llena de sintetizadores ochenteros y cajas de ritmo cambiantes para luego dejarse llevar por el romanticismo de «C’est La Vie», el folk instrumental de «Wren Tails», el synth wave de Wax Stag que encaja a la perfección con la guitarra acústica y la voz de Bibio en «Gasoline & Mirrors», en donde al final nos encontramos con un fragmento de folktrónica pura que suena como una vieja grabación de cassette, así como «Saint Thomas», otro tema instrumental en donde una guitarra eléctrica tiene toda nuestra atención y la última del álbum, «Light Up the Sky», otra de la mejores del álbum, llena de sintetizadores analógicos, consolidan el sonido retro de Bibio. Tal vez la única que no encaja es «Why So Serious?», en donde la voz soul de un tal Olivier St.Louis arruina por completo uno de los mejores lanzamientos del 2016. Mis favoritas: «Petals», «A Mineral Love», «Raxeira», «Town & Country», «Feeling», «The Way You Talk (feat. Gotye)», «C’est La Vie», «Gasoline & Mirrors (feat. Wax Stag)» y «Light Up the Sky».

7. Beacon
Escapements
Ghostly International (US)

Lanzamiento: Febrero 5

Después del excelente álbum debut The Ways We Separate, uno de los mejores lanzamientos del 2013 y tres EPs publicados entre 2012 y 2014, Thomas Mullarney III y Jacob Gossett, regresaron a principios del 2016 con su tan esperado segundo álbum Escapements, el en que el dúo electrónico de Brooklyn, N.Y. nos deleita con un sonido más bailable que su álbum debut. Un álbum en el que la suave y melancólica voz de Thomas Mullarney se fusiona a la perfección con los sonidos electrónicos de Jacob Gossett, teniendo como resultado un synth-pop oscuro y futurista lleno de dulces melodías pop ambientales y minimalistas con pizcas de downtempo, trip-hop, R&B, house y post-dubstep. Desde «IM U», la primera pista del álbum, pasando por las voces fantasmagóricas de «Backbone» (emulando el sonido de Moderat), la excelente «Escapements», en donde Thomas Mullarney alcanza su máxima interpretación vocal, así como el downtempo de «Running Out», «Hollow», «Still», «L1» (incluida originalmente en el EP de 2014), el breackbeat de «Cure», las bailables «Better or Worse» y «Preserve» que nos incita a mover la cabeza y el cuerpo, sin olvidar la participación del baterista de Tycho, Rory O’Connor (conocido también como Nitemoves) quien aparece como invitado en la última canción del álbum, «You’re Wondering», demostrando su destreza en la batería al final de la canción de cierre, hacen de Escapements no sólo un gran segundo álbum, sino uno de los mejores del año. Seis meses después de haber publicado este álbum, el dúo lanzó un mini álbum de remixes a cargo de Nitemoves (de Tycho), Kim Ann Foxman (de Hercules and Love Affair), Tomas Barfod (de WhoMadeWho), Time Wharp, BAILE, TWINKIDS, Logan Takahashi y Applescal, quienes le dan su toque personal a 6 temas de este segundo álbum de uno de mis proyectos favoritos de música electrónica de los últimos años que espero vuelvan pronto a México luego de su participación en la cuarta edición del Carnaval de Bahidorá en febrero del 2016. Mis favoritas: «IM U», «Backbone», «Escapements», «Better or Worse», «Preserve», «Still» y «You’re Wondering».

6. Telefon Tel Aviv
Fahrenheit Fair Enough (Reissue)
Ghostly International (US)

Lanzamiento: Diciembre 2

En septiembre de 2001, el dúo electrónico Telefon Tel Aviv, formado en 1999 en Nueva Orleans por Joshua Eustis y Charles Cooper (a quienes tuve la gran fortuna de ver en vivo durante la tercera edición del festival MUTEK México en 2006 antes de la lamentable muerte de Cooper en 2009), recién publicaban su álbum debut Fahrenheit Fair Enough a través del sello Hefty Records, un extraordinario álbum de culto influenciado por la música negra americana y la electrónica británica de Autechre y Aphex Twin, convirtiéndose en uno de los mejores álbumes de IDM de la historia. 15 años después de su debut, el sello independiente Ghostly International reeditó este clásico de la música electrónica con material digital como bonus tracks. Los nueve tracks originales que conforman Fahrenheit Fair Enough siguen sonando tan vigentes que siguen influenciando a una infinidad de artistas electrónicos en la actualidad. Es imposible de dejar de apreciar temas como «Fahrenheit Fair Enough», «TTV», «John Thomas on the Inside Is Nothing but Foam» o «Life Is All About Taking Things In and Putting Things Out», sin olvidar el resto. La segunda parte de esta nueva reedición son ocho temas inéditos tomados de los archivos de TTA de 1999, en los que se perciben la gran influencia del legendario Aphex Twin y de la música electrónica underground de la década de los 90, sobre todo en «Reak What», «Cliccum» y «7 8». La versión alterna de «Fahrenheit Fair Enough» suena tan diferente a la original que bien podría haber sido otro tema del álbum. La mayoría de estos demos son inéditos, excepto un par de ellos como «Eight Track Project Cut» que viene incluida en el EP Immediate Action #8 de 2002 y «Rittle Alpha» (versión alterna de «Map of What is Effortless» del segundo álbum del mismo nombre editado en 2004), que formaba parte del set en vivo de TTA y que pude escuchar en aquella única presentación en MUTEK.MX 2006. El octavo track demo es una versión alterna de «What’s the Use of Feet If You Haven’t Got Legs?» que es igual de buena que la original. Sin duda, un gran clásico del IDM. Actualmente, Josh Eustis se encuentra trabajando en un nuevo material de TTA que ansío por escuchar, mientras espero su regreso a México. Mis favoritas: La mayoría.

5. Rival Consoles
Night Melody
Erased Tapes (UK)

Lanzamiento: Agosto 5

El productor británico Ryan Lee West (mejor conocido como Rival Consoles), se ha convertido en uno de mis favoritos de la música electrónica recientemente, luego de haberlo descubierto en el sello londinense Erased Tapes (sello que alberga a artistas como Nils Frahm, Ólafur Arnalds, Lubomyr Melnyk, Kiasmos, entre otros exponentes del avant-garde y música neo-clásica), quien se presentó en México durante la pasada doceava edición del festival MUTEK.MX en 2015, en donde con la ayuda de excelentes visuales en vivo, ofreció uno de los mejores espectáculos audiovisuales del festival, presentando temas de su aclamado tercer álbum Howl (uno de los mejores lanzamientos del 2015) y de sus EPs, Odyssey y Sonne de 2013 y 2014, respectivamente. En agosto de 2016, el productor lanzó Night Melody, un mini-álbum de 34 minutos y 6 pistas creadas durante las horas nocturnas (de ahí el título del mini LP) navegando por esos ruidos electrónicos y acústicos que definen su sonido gracias en gran parte al histórico sintetizador analógico Prophet 8. El mini-álbum abre con «Pattern of the North» en el que diferentes capas de sintetizadores dan preámbulo a los beats 4/4 que orientan a la pista de baile, mientras que una batería acústica da ritmo a «Johannesburg» en medio de sintetizadores analógicos creando un sonido denso e híbrido entre lo acústico y lo electrónico. La tercera pista «Slow Song», es una tranquila pieza atmosférica que le da balance al IDM de Rival Consoles antes de «Lone», una de las piezas clave de Night Melody en el que West sensibiliza la música electrónica como lo ha estado haciendo desde sus últimos lanzamientos. En el track que le da título a este corto material, nos envuelven nuevamente los beats 4/4 hipnóticos ad hoc para el dancefloor antes de cerrar con «What Sorrow», otra pista atmosférica llena de sintetizadores que cierra perfectamente este excelente mini LP dejándonos con ganas de más. Influenciado por Jon Hopkins, Clark y Kiasmos, Rival Consoles construye y mejora con Night Melody, el marco establecido con Howl. Otro excelente balance de sonidos analógicos, acústicos y digitales que hacen su música más expresiva y emotiva. De lo mejor del 2016. Mis favoritas: «Pattern of the North», «Johannesburg», «Lone» y «Night Melody».

4. Tycho
Epoch
Ghostly International (US)

Lanzamiento: Septiembre 29

Después de dos años de haber lanzado, lo que para mi fue el mejor álbum del 2014, el productor y diseñador gráfico de San Francisco, Scott Hansen (a quien por fin pude ver en vivo en la Ciudad de México con su proyecto audiovisual Tycho en SALA en 2015), regresó en 2016 con el lanzamiento sorpresivo de su cuarto álbum de estudio Epoch, nuevamente acompañado por Zac Brown en las guitarras y bajo, y Rory O’Connor (Nitemoves) en la batería, siguiendo la misma línea de su antecesor Awake. Esos sintetizadores de ensueño y la electrónica instrumental y ambiental de Tycho, se fusionan a la perfección con el post-rock psicodélico en las dos primeras pistas del álbum, «Glider» y «Horizon», tomando mayor fuerza en «Slack», mientras «Receiver» es una pista más tranquila en la que Tycho regresa a los comienzos de su proyecto, recordándonos a su primer álbum Past Is Prologue (lanzado originalmente en 2006 y reeditado en 2010 por Ghostly International), muy a lo Boards of Canada. Una de las mejores del álbum, es sin duda, «Epoch», en el que el trío logra uno de los mejores momentos en toda la carrera de Tycho, al igual que «Division», primer single del álbum, en el que el bajo cobra especial importancia junto a las guitarras eléctricas y la batería, obteniendo como resultado un sonido que fácilmente se confunde con «The National Anthem» de Radiohead, otro de los mejores momentos del álbum. Rory O’Connor hace su mejor trabajo en la batería en «Source», mientras las melodías de guitarra cobran una mayor importancia en «Local». «Rings» comienza muy tranquilamente para después despegar con su electrónica orgánica. «Continuum» es otra tranquila pista que nos recuerda particularmente a su segundo álbum Dive de 2011, mientras «Field», la última pista del álbum, bien podría ser la segunda parte de «Plains», tema que cierra el tercer álbum Awake. Con Epoch, Scott Hansen y compañía han alcanzado el máximo esplendor de su sonido en uno de los mejores lanzamientos del año, aunque Awake sigue siendo mi favorito. Muy merecidamente, Epoch estuvo nominado al Mejor Álbum de Dance/Electrónica en la reciente 59ª entrega de los premios Grammy. Y aunque no ganó, su nominación significa un gran logro para la música electrónica independiente lejos del mainstream. Mis favoritas: «Glider», «Horizon», «Slack», «Epoch», «Division», «Source», «Local» y «Rings».

3. Moderat
III (Deluxe Edition)
Monkeytown (DE)

Lanzamiento: Abril 1

Moderat es el súper-grupo que conforman Modeselektor y Apparat, quienes a lo largo de más de 10 años de historia como banda han pasado por varios procesos de evolución, desde su comienzo con el lanzamiento de su EP Auf Kosten der Gesundheit de 2003, pasando por su gran álbum debut homónimo de 2009, su segundo álbum II de 2013, hasta este, su nuevo y tercer álbum de estudio titulado simplemente III, lanzado bajo el sello de Modeselektor, Monkeytown Records. III es su álbum más pop de su discografía (pero un pop bastante oscuro), en el que Sascha Ring toma el mando como el cantante principal y frontman de Moderat, mientras Gernot Bronsert y Sebastian Szary hacen lo suyo en la música, convirtiendo a Moderat en una banda hecha y derecha, más que un simple proyecto en colaboración. El álbum abre con «Eating Hooks», en la que la voz de Sascha Ring y el ambiente sonoro de Gernot Bronsert y Sebastian Szary nos lleva por caminos de un inframundo frío y oscuro. Un rayo de luz llega con «Running», en donde los bajos profundos hacen vibrar cualquier cuerpo llegando al clímax en la última parte de la canción, mientras la hipnotizante e instrumental «Finder», que bien podría haber estado incluida en su segundo álbum, cumple su cometido. Le sigue «Ghostmother», en donde la voz de Sascha es acompañada por la de sus dos compañeros en la última parte, mientras varios instrumentos de viento se dejan escuchar. Con «Reminder» los alemanes demuestran que saben hacer canciones más pop digeribles para el público actual. Luego la escasa guitarra eléctrica de Sascha Ring aparece apenas en la segunda mitad de «The Fool». «Intruder» se ha convertido en una de mis favoritas del álbum últimamente, aquí, los efectos vocales y el bajo eléctrico de Sascha Ring es abrazado por el IDM oscuro de Moderat. «Animal Trails», otra pista instrumental y la introspectiva «Ethereal» junto al resto, absorben un espectro oscuro de música electrónica post-minimalista. La edición deluxe digital del álbum incluye el bonus track «Fondle» (incluida también en la edición de Bonus Tracks & Remixes) y dos remixes inéditos de «Reminder», el primero a cargo de Special Request y el segundo a cargo de Answer Code Request. Si bien, III tiene más de Apparat que de Modeselektor, no deja de ser un gran material en donde cada proyecto encuentra un balance intermedio. Mis favoritas: «Eating Hooks», «Running», «Finder», «Ghostmother», «Reminder», «The Fool» e «Intruder».

2. The Black Queen
Fever Daydream
The Black Queen (US)

Lanzamiento: Enero 29

Fever Daydream es el álbum debut de The Black Queen, otro súper-grupo con base en Los Ángeles, formado por Greg Puciato (vocalista de la banda de mathcore, The Dillinger Scape Plan), Joshua Eustis (de Telefon Tel Aviv, Sons of Magdalene, Second Woman y ex-Nine Inch Nails) y Steven Alexander (The Dillinger Scape Plan y NIN), quienes mezclan ingeniosamente sonidos electrónicos de los años 80 y la electrónica de vanguardia, creando un sonido híbrido. «Ice to Never» es el mejor ejemplo de ese sonido después de escuchar «Now, When I’m This», una introducción corta y atmosférica que abre el álbum, mientras en la oscura balada «The End Where We Start» (mi favorita del álbum con la que debutaron en 2015), Greg Puciato logra una de las interpretaciones vocales más melódicas y moderadas fuera de The Dillinger Scape Plan, fusionándose con el IDM de Josh Eustis evocando al sonido electrónico del tercer álbum de Telefon Tel Aviv, Immolate Yourself de 2009, con riffs de guitarras eléctricas. Sublime. En «Secret Scream» (otra de las mejores del álbum) la voz de Puciato se asemeja bastante a la de Trent Reznor de forma natural (como en la mayoría de las canciones) envuelto por un synth-pop post-industrial. Las guitarras eléctricas regresan en «Maybe We Should / Non-Consent», en donde podemos escuchar también la voz de Josh y al final, un tenebroso outro instrumental, mientras en la oscura «Distanced» nuevamente escuchamos el fantasma de Trent Reznor susurrando. «Strange Quark» es un corto interludio para «That Death Cannot Touch», en donde nuevamente aparecen los sonidos electrónicos ochenteros. El álbum no estaría completo sin los ritmos industriales que guían la voz de Greg en «Taman Shud» y el final largo de la melódica «Apocalypse Morning» que cierra perfectamente el álbum. Tomando el brillo digital de Telefon Tel Aviv, los ritmos industriales duros de Nine Inch Nails, los paisajes sonoros futuristas de M83 y el amor compartido por bandas new wave de la década de los 80 con base en los sintetizadores como Depeche Mode, el trío produce un sonido embriagador que combina lo mejor del trabajo de cada miembro en una nueva criatura sonora digna de su propia existencia. ¡Un gran debut! Si eres fan de NIN, Crosses (proyecto alterno de Chino Moreno de Deftones) y Telefon Tel Aviv, por supuesto, no debes dejar pasar la oportunidad de escuchar este gran proyecto. Mis favoritas: «Ice to Never», «The End Where We Start», «Secret Scream», «Maybe We Should», «Distanced», «That Death Cannot Touch», «Taman Shud» y «Apocalypse Morning».

1. Moderat
Live
Monkeytown (DE)

Lanzamiento: Noviembre 25

Tras el lanzamiento del tercer álbum de estudio de Moderat el 1 de abril, el trío alemán publicó a finales de noviembre su primer álbum en vivo grabado el 5 de junio de 2016 en el Velódromo de su natal Berlín, editado por Monkeytown Records. Live recorre los mejores temas de su trilogía: Moderat (2009), II (2013) y III (2016), como lo hicieron el pasado 3 de diciembre en Sala de Armas en la Ciudad de México con un épico concierto sold out, por eso Live de Moderat ocupa el puesto número 1 de mi lista de los mejores lanzamientos del 2016. Temas clásicos de su primer álbum («A New Error», «Rusty Nails», «No. 22»), así como de su segundo álbum («Bad Kingdom», «Damage Done», «Last Time») y los nuevos temas («Reminder», «Ghostmother», «Intruder», «Animal Trails», «The Fool» e «Eating Hooks», la cual va acompañada por el remix a cargo de Siriusmo, pista incluida en la edición de Bonus Tracks & Remixes del tercer álbum), son interpretadas en nuevas y extendidas versiones gracias a los instrumentos digitales, analógicos y acústicos (guitarra y bajo) en vivo de la banda, llevando a cualquiera la experiencia sonora de su inmersivo espectáculo audiovisual acompañado por los excelentes visuales de Pfadfinderei. Un total de 14 temas (incluyendo un intro atmosférico que abre sus presentaciones en vivo de su gira actual) en una hora y 15 minutos, son un registro en el que el trío demuestra que son una de las mejores bandas en vivo de la música electrónica contemporánea que todos deben de presenciar alguna vez en su vida. En mi caso, los he visto en vivo en las dos ocasiones que se han presentado en México. Hablamos de un espectáculo imperdible como el show 3D de Kraftwerk o el de Alva Noto & Ryuichi Sakamoto, por eso su show en vivo es considerado uno de los mejores del año por Resident Advisor. Es estupendo escuchar todos estos temas en vivo juntos en un solo álbum, aunque les faltó incluir «Running» y «Les Grandes Marches» (una de mis favoritas de su álbum debut), que no faltaron en su reciente visita en México: ¡El mejor puto concierto del año! Aquí mi reseña. Además de las 14 pistas en vivo, el álbum digital incluye un decimoquinto track con la grabación en vivo del concierto sin pausas para disfrutarse mejor. Es poco convencional que un álbum en vivo sea mi favorito de todo el 2016, pero no es para menos. Basta con verlos en vivo para convencerse del gran material que es Live. ¡El mejor álbum del año! Mis favoritas: Todas.

Está por terminar el primer mes del 2017 y ya tenemos grandes lanzamientos, como el sexto álbum de estudio de Bonobo, Migration, lanzado por el sello Ninja Tune, así como lo nuevo de SOHN y Emptyset. Otros que están próximos a ser lanzados es el segundo álbum solista de Helen Marnie (de Ladytron), Strange Words And Weird Wars, anunciado para el 25 de marzo, mientras seguimos esperando lo nuevo de Ladytron que habían anunciado para el 2016 y que no llegó; así como el séptimo álbum de Goldfrapp, Silver Eye, que llegará el 31 de marzo. Otros que están por ser lanzados también, es un nuevo álbum de Takami Nakamoto con el baterista Sebastien Benoits bajo su proyecto en colaboración Reflections a principios de marzo y el segundo álbum de Dark Sky en abril, mientras Modeselektor se encuentran actualmente en el estudio trabajando en un nuevo material y Chvrches acaban de anunciar que están haciendo lo mismo para su tercer álbum.

Stay tuned!